Rembrandt

Lieu de naissance, Leyde.

Rembrandt[note 1] Harmenszoon van Rijn est né le 15 juillet 1606[note 5] rue Weddesteeg[note 6] à Leyde, ville universitaire et industrielle des Provinces-Unies (actuels Pays-Bas). Il est le neuvième des dix enfants[note 7] d'une famille aisée : son père, Harmen Gerritszoon van Rijn[note 8], est meunier sur le Rhin et sa mère, Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck, est fille de boulanger[5]. La religion occupe une place centrale dans l'œuvre de Rembrandt et la période de tension religieuse dans laquelle il a vécu donne à sa foi une certaine importance. Sa mère est catholique et son père appartient à l'Église réformée néerlandaise. Tandis que son œuvre dévoile une profonde foi chrétienne, on ne sait pas si l'artiste appartenait à une Église en particulier, bien que ses cinq enfants fussent baptisés dans des églises réformées d'Amsterdam : quatre dans la Vieille église d'Amsterdam et un, Titus, dans la Zuiderkerk[6].

Enfant, il est le seul de la fratrie qui étudie[7] à l'école latine (institution calviniste donnant un enseignement religieux très poussé et où il prend ses premiers cours de dessin et apprend l'actio et le pronunciato, pratiques visant à allier voix et gestes, qui l'influenceront plus tard dans son travail, notamment dans la pratique du théâtre pour pouvoir mettre en scène ses compositions et ainsi leur donner un effet plus naturel que le simple modèle qui pose dans l'atelier[8]). À l'âge de 14 ans, il s'inscrit à l'université de Leyde mais n'y étudie pas[9]^,[10]^,[4] et montre rapidement une forte inclination vers la peinture. En 1621, il devient alors pendant trois ans l'apprenti du peintre d'histoire versé dans les descriptions de scènes infernales[11] Jacob van Swanenburgh[12]^,[note 9], chez qui il apprend le dessin à la plume[14], puis Joris van Schooten[note 10]^,[16].

Mais ce qui est déterminant dans sa formation est son séjour de six mois à Amsterdam en 1624, chez Pieter Lastman et Jan Pynas[note 11] : Rembrandt y côtoie Jan Lievens, en apprentissage chez Lastman, et il y apprend le dessin au crayon, les principes de la composition et le travail d'après nature[14]. Il aborde principalement les mêmes thèmes bibliques et antiques que Lastman et les traite avec la même « puissance narrative et des accents réalistes très remarquables[16]. » Lastman lui transmet aussi l'influence d'artistes qu'il avait côtoyés à Rome : Adam Elsheimer et le Caravage, tandis qu'il découvre l'œuvre de Rubens dans son atelier. Rembrandt s'approprie ainsi le clair-obscur pour en faire un langage propre « d'une rare poésie »[16]. L'animation et l'art d'Amsterdam marquent son œuvre de jeunesse et il fait la connaissance de peintres flamands, dont Hercule Seghers[14]. Il rentre à Leyde en 1624[11].

La Lapidation de saint Étienne, vers 1625, musée des beaux-arts de Lyon.

Contrairement à beaucoup de ses contemporains qui faisaient le Grand Tour en Italie lors de leur formation, Rembrandt n'a jamais quitté les Provinces-Unies[18]^,[19] et il s'établit à Leyde en 1625[note 12]. Son ami Jan Lievens le rejoint. Dans son autobiographie, Constantijn Huygens fait part de sa rencontre avec les deux jeunes artistes : « Je dois confesser que je n'ai jamais vu plus grande diligence et industrie chez aucun individu, quels que soient son occupation ou son âge. Car en vérité ils consacrent tout leur temps [à la peinture] ; c'est la seule chose qui compte pour eux. Et le plus étonnant est que même les amusements les plus innocents de la jeunesse leur paraissent une perte de temps[21]. » À cette époque, leur talent et leur style sont si proches qu'il est difficile pour les historiens de l'art de les distinguer[note 13]^,[16]. Concernant les gravures de Rembrandt, André-Charles Coppier parle d'une époque où la production de ce dernier est jusque-là limitée à une surproduction d'estampes à vocation commerciale — des « sujets de vente » pour lesquels il se contentait d'un style purement linéaire —, associé aux peintres Jan Lievens, Gérard Dou, Hendrick Cornelisz. van Vliet et Jacques des Rousseaux[23].

En 1625, il signe La Lapidation de saint Étienne, première toile qui nous soit parvenue de lui. L'année suivante, il réalise ses premières eaux-fortes, Le repos pendant la fuite en Egypte[œ 1] et La Circoncision[œ 2]^,[11]. En 1627, Rembrandt enseigne déjà à des apprentis, dont le premier est Gérard Dou qui entre dans son atelier en 1628, et commence probablement avec la préparation des panneaux et des toiles, qui étaient tous faits à la main dans les ateliers des peintres[24]. Le tout premier commentaire sur Rembrandt connu date de 1628, où l'humaniste Aernout van Buchel écrit : « On couvre d'éloges le fils du meunier de Leiden, mais cela me semble prématuré[11]. »

Il ouvre un atelier à Leyde vers 1624, qu'il partage avec son ami et collègue Jan Lievens. En 1627, Rembrandt commence à accepter des élèves, parmi lesquels Gerrit Dou en 1628[25].

En 1629, l'homme politique Constantijn Huygens, poète et secrétaire du prince d’Orange[note 14], lui rend visite dans son atelier et se montre enthousiaste sur Rembrandt dans son autobiographie[11] ; ses commandes lui apportent notoriété et le sortent de ses difficultés financières. Grâce à cette collaboration, le prince Frédéric-Henri achète des peintures à Rembrandt jusqu'en 1646[26]. En 1630, son père meurt. Il délaisse quelque peu la peinture pour se consacrer à la gravure — c'est d'ailleurs son année la plus productive (quinze estampes connues), quoiqu'elles ne soient pas les plus intéressantes : selon Gary Schwartz, ces « petites planches (...) manquent de rigueur »[11].

Portrait de Saskia, femme de Rembrandt (après 1634).

En 1631, après avoir acquis une certaine reconnaissance, il se voit proposer de multiples commandes de tableaux de corporations et de portraits (les « Doelen », son premier portrait de groupe, Leçon d'anatomie du docteur Tulp, étant réalisé en 1632), commandes issues d'Amsterdam qui l'obligent à s'installer dans cette ville. Un important marchand d'art lui offre le gîte, Hendrick van Uylenburgh dont il épouse la nièce Saskia van Uylenburgh le 22 juin 1634. Ce dernier l'introduit dans le cénacle de la haute société et favorise sa réputation, ce qui lui vaut plus de 50 commandes de portraits de patriciens dans les années 1631-1634 — virage déterminant dans sa carrière[11]. Rembrandt a réalisé plusieurs portraits de sa femme entre 1633 (National Gallery of Art, Washington D.C) et 1634 (musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg)[27], et reste très prolifique en eaux-fortes, qui gagnent en qualité[11]. Il grave notamment des scènes bibliques qu'il n'a pas le temps de peindre et peint pour la première fois des scènes de genre, des allégories et des portraits sur commande (1633)[28].

Carte du quartier de Vloonburch Steech où le rectangle figure l'endroit où habitaient Spinoza et Rembrandt à partir de 1639.

Rembrandt et Saskia se marient en 1634[7] et ont un premier enfant en 1635, Rumbartus, qui meurt seulement deux mois plus tard. Il montre à cette époque une grande concentration dans ses gravures, qui sont désormais « d'un grand raffinement », comme Joseph et la femme de Putiphar[28]. Nouvelle baisse de production picturale en 1636. Le couple perd un nouvel enfant, Cornelia, en 1638. Les commandes de portraits cessent[28].

En 1639, Rembrandt et Saskia, qui vivent désormais dans une plus grande aisance financière[note 15], vont habiter une maison cossue (qui deviendra le Musée de Rembrandt) de Jodenbreestraat, dans le quartier juif[note 16]. Une maison plus spacieuse et qui permet au peintre de recevoir et d'exposer, mais il doit prendre une hypothèque et s'endetter lourdement pour l'acquérir, ce qui devient la cause principale de ses difficultés financières ultérieures[5]. Un troisième enfant meurt peu après sa naissance en 1640. Le quatrième, Titus, né en 1641, sera le seul à atteindre l'âge adulte[29]. Saskia meurt d'une phtisie en 1642 à l'âge de 30 ans.

La Ronde de nuit, 1642, Rijksmuseum Amsterdam.

Il réalise d'importantes gravures dans tous les genres, mais le sommet artistique de cette période est le tableau La Ronde de nuit (De Nachtwacht, Rijksmuseum Amsterdam, 1642) : l'œuvre originale mesure 440 × 500 cm (mais sera plus tard diminuée) et fait le portrait de 18 membres d'une milice civile, d'une façon dynamique, révolutionnaire pour son temps.

Sa production de peintures continue et celle des eaux-fortes se stabilise jusqu'à la fin de sa carrière autour de six estampes par an[29]. Il connaît à partir de 1642 un grand succès commercial, étant l'un des peintres les plus demandés de la ville et son atelier ayant beaucoup de succès[30]^,[31].

La Pièce aux cent florins, vers 1649.

Entre 1643 et 1649, Rembrandt partage ensuite sa vie avec sa servante Geertje Dircx, jeune veuve sans enfant, qui prend en charge le bébé Titus. En 1648, elle rédige son testament qui voit toutes les possessions de Rembrandt léguées à son fils Titus[32]. Cette liaison entre un veuf et la nourrice de son fils provoque un scandale au point que Rembrandt décide de la congédier. Geertje entame et gagne un procès contre Rembrandt sur le sujet de promesse de mariage, mais Rembrandt la fait enfermer dans un asile d'aliénés en 1650, la faisant passer pour folle[33]. En 1645, Hendrickje Stoffels, plus jeune que Geertje, devient une nouvelle servante de la maison, et remplace Geertje comme concubine.^{[réf. nécessaire]} La vie privée de Rembrandt est très agitée, et 1649 est la seule année où Rembrandt ne réalise aucun tableau ni estampe — à noter tout de même que bien que non datée, l'une de ses plus remarquables estampes, La Pièce aux cent florins a été achevée vers cette année-là, après un long processus. Il vit à cette époque « une situation financière catastrophique, l'artiste n'étant pas en mesure de régler ses hypothèques ni d'acquitter ses impôts »[32]. Il reçoit très peu de commandes, les années 1650 étant moins prolifiques en ce domaine que la seule année 1632, alors que c'est sa principale source de revenus. On ne connaît par exemple qu'une seule eau-forte et un seul tableau de Rembrandt datés de 1653[32].

Après avoir été condamnée par le synode l'Église pour fornication, Hendrickje donne naissance à Cornelia en 1654[32]. Il se consacre néanmoins à des sujets religieux, aussi bien dans ses estampes que dans ses tableaux, où sont à noter Le Christ et la Samaritaine et Joseph accusé par la femme de Putiphar, peints « à double, peut-être sous la pression de sa situation financière désespérée »[32].

Rembrandt vivant au-dessus de ses moyens, achetant des pièces d'art du monde entier (collection qui lui sert de modèle dans ses peintures), des costumes dont il se sert souvent dans ses œuvres, n'arrive plus à honorer ses dettes en 1656. Il est alors contraint de vendre sa maison et ses possessions — qui font l'objet d'un inventaire[note 17] — aux enchères et de se contenter d'un logis plus modeste loué au 184 du canal Rozengracht (nl). Sa compagne Hendrickje et son fils Titus fondent en 1658 une association pour continuer le commerce d'œuvres d'art qu'ils avaient commencé avant ces événements et obtiennent l'exclusivité du commerce de celles de Rembrandt en contrepartie de l'obligation d'entretenir Rembrandt toute sa vie[note 18]. Malgré la renommée de Rembrandt qui continue à croître, les commandes diminuent et une grande toile de 1660, La Conjuration de Claudius Civilis (son tableau le plus grand), destiné à la nouvelle mairie d'Amsterdam, est refusée et retournée (maintenant dans le musée national de Stockholm)[35].

En 1663, Hendrickje meurt et son fils se marie, laissant Rembrandt complètement seul. Ces événements marquent ses contemporains, et Joost van den Vondel, le grand poète national[note 19], fait comme ceux-ci le rapprochement avec ses œuvres, jugées plus obscures qu'avant, en le décrivant comme « l'ami et le fils de l'ombre, pareil au hibou nocturne »[36].

Les critiques de son époque, tels Joachim von Sandrart (Teutsche Academie, 1675), Samuel van Hoogstraten (Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst, 1677[note 20]), Arnold Houbraken (Le Grand Théâtre des peintres néerlandais, 1718-1721) et Gérard de Lairesse (Le Grand Livre des peintres, ou l'Art de la peinture considéré dans toutes ses parties, et démontré par principes ... auquel on a joint les Principes du dessin, 1787) louaient son génie mais réprouvaient « son manque de goût, son naturalisme vulgaire, son dessin négligé, la rareté de sujets nobles dans son œuvre[39] ». Rembrandt avait suivi l'évolution du baroque international vers une phase plus classique[40], mais alors que son style personnel arrivait à son paroxysme, il s'éloignait de celui de ses contemporains, plus proche des Van Dyck voire de ses élèves ou anciens compagnons d'ateliers (Govaert Flinck et Jan Lievens)[36].

Le Syndic de la guilde des drapiers (1662, Rijksmuseum Amsterdam).

Malgré une image de solitaire incompris, Rembrandt a continué à recevoir des commandes : de particuliers, notamment Jan Six[œ 4] ; de corporations, comme l'atteste le fameux tableau Le Syndic de la guilde des drapiers (1662) ; et même à l'international, puisqu'un noble italien lui commanda un philosophe et reçut Aristote contemplant le buste d'Homère (1653) et plus tard Alexandre le Grand (1661) et Homère (1663), ainsi que 189 eaux-fortes en 1669[36]. Il continuait par ailleurs à avoir des élèves, notamment Philips Koninck et Aert de Gelder[36].

Lors de ses huit dernières années, Rembrandt n'a produit qu'une seule gravure : un portrait[œ 5] de commande « insignifiant[41] ». Cette mise à l'écart de cet art de prédilection ne s'explique pas par un quelconque empêchement lié à la vieillesse, mais, selon Sophie de Brussière (Petit Palais), parce que Rembrandt avait déjà terminé l'exploration des techniques de la gravure — et en parallèle réussi à obtenir ce qu'il avait recherché pendant toute sa carrière de peintre, la « lumière-couleur » —, et n'y accordait plus d'attention[41].

Il survit aux disparitions de Hendrickje (morte en 1663 de la peste) et Titus, mort en 1668. Sa fille Cornelia, sa belle-fille Marguerite et sa petite-fille Titia sont à ses côtés quand il meurt le 4 octobre 1669 à Amsterdam. Désargenté, il est inhumé dans une tombe louée dans l'église Westerkerk, où une plaque commémorative est déposée en 1906 sur une colonne septentrionale de la nef mais plus aucune trace de cette tombe ne subsiste aujourd'hui, la famille Rembrandt n'ayant plus assez d'argent pour y faire construire un tombeau personnel[42].

David présentant à Saül la tête de Goliath (1627), huile sur toile, 272 × 396 mm, (Bâle, Kunstmuseum). Cette œuvre est typique, par son format comme par la richesse des détails, de la « période de Leyde » du jeune Rembrandt.

Autoportrait : Rembrandt aux yeux hagards (1630), eau-forte, 50 × 43 mm.

• Pendant la période de Leyde (1625-1631), l'influence de Lastman est la plus marquante. Les peintures sont de taille modeste mais très détaillées (costumes, bijoux). Les thèmes traités sont essentiellement religieux et allégoriques.
• À son arrivée à Amsterdam (1634-1636), Rembrandt utilise de larges toiles, des tons puissants et peint des scènes plus spectaculaires, ainsi que de nombreux portraits.
• Vers la fin des années 1630, il réalise beaucoup de paysages, aussi bien que des gravures inspirées par les thèmes de la nature, qui est vue souvent de façon agressive (arbres arrachés par les tempêtes, nuées menaçantes…)
• À partir de 1640, son travail gagne en sobriété et reflète les tragédies familiales qu'il traverse. L'exubérance est remplacée par une intériorisation des sentiments qui le tourmentent. Les scènes bibliques sont plutôt inspirées du Nouveau Testament que de l'Ancien Testament, ce qui était le cas dans ses œuvres précédentes. La taille des toiles diminue également, à l'exception notable de la Ronde de nuit. Les forces sombres de la nature laissent place à de paisibles scènes hollandaises rurales.
• Dans les années 1650, le style de Rembrandt change à nouveau. Il se remet à peindre de grandes toiles et utilise des couleurs plus riches, les coups de pinceaux regagnent en force. On imagine qu'il prend de la distance par rapport à son œuvre précédente et qu'il s'éloigne aussi de la mode du moment, qui favorise le détail et la finesse de réalisation. Il continue à s'inspirer de thèmes bibliques, mais dans un style plus intimiste, préférant les personnages solitaires aux scènes de groupe.
• Après la mort de sa compagne Hendrickje Stoffels en 1663, les dernières années de sa vie sont marquées par de nombreux autoportraits, sur lesquels on voit son visage empreint de souffrance et marqué par les épreuves qu'il a traversées.

La peinture de Rembrandt procède par la superposition de couches de glacis (tons de terres, procédé du clair-obscur), cette matière ou « manière brute » s'opposant à la « manière lisse » de la génération suivante de peintres hollandais[44]. Il est aussi connu pour la matérialité de sa peinture et son style rugueux, en opposition avec le style lisse et fini de ses contemporains[8].

La Ronde de nuit.

Rembrandt a peint La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, entre 1640 et 1642. Au XVIII^e siècle, ce tableau paraissait si sombre et si détérioré qu’on a cru qu’il s’agissait d’une scène nocturne. Il fut donc rebaptisé ou surnommé La Ronde de nuit. Un nettoyage opéré en 1947 permit de restituer sa lumière et surtout ses couleurs à l’œuvre, qui représente un groupe d'arquebusiers, quittant l'ombre d'une cour et s'avançant dans la lumière du jour.

Le tableau a été commandé pour orner le nouveau hall du Kloveniersdoelen, la compagnie des arquebusiers, une des milices de gardes civils chargées de défendre la ville en cas de conflit. Rembrandt, s'éloignant des conventions du genre, choisit de montrer la troupe alors qu'elle se met en mouvement. On ne sait d'ailleurs pas à quelle occasion. S'agit-il d'une simple patrouille ou d'un événement particulier ? Une parade, à l'occasion de la visite de Marie de Médicis à Amsterdam, en 1638, ou celle d'Henriette Marie d'Angleterre, en 1642, ont été suggérées. Quoi qu'il en soit, cette approche artistique contraria les commanditaires et certains membres de la milice furent agacés de se voir relégués à l'arrière-plan, presque invisibles. À 1600 florins, le paiement était un record dans l'œuvre de Rembrandt, dans une société où un ouvrier gagnait de 200 à 250 florins par an.

En 1725, pour qu'elle pût trouver sa place sur un mur d'une salle de l'Hôtel de ville, des morceaux de la toile, alors d'environ 500 × 387 cm, furent découpés. Ses dimensions actuelles (438 × 359 cm) sont encore impressionnantes : elle occupe tout un côté d'une des plus grandes salles du Rijksmuseum, dont elle est considérée comme l'œuvre majeure.

Le Syndic de la guilde des drapiers.

Cette toile représente six personnages en costume noir, portant chapeaux et fraises, qui vérifient les comptes de la corporation des drapiers. Elle illustre bien le talent de Rembrandt pour la disposition de ses personnages. Son exécution est sobre et efficace. Un article publié en 2004, par Margaret S. Livingstone, professeur de neurobiologie à l'Université de Harvard Medical School, suggère que Rembrandt, dont les yeux n'étaient pas alignés correctement, souffrait de cécité stéréo (en). Cette conclusion a été faite après l'étude de trente-six autoportraits du peintre. Parce qu'il ne pouvait pas former une vision binoculaire normale, son cerveau se reportait automatiquement sur un seul œil pour de nombreuses tâches visuelles. Cette incapacité pourrait l'avoir aidé à aplatir les images qu'il voyait pour les restituer ensuite sur la toile en deux dimensions.

Philosophe en méditation, 1632, musée du Louvre.

Bethsabée au bain tenant la lettre de David. Hendrickje Stoffels a posé pour la figure de Bethsabée.

• 1625 : La Lapidation de saint Étienne (Musée des beaux-arts de Lyon)[45]
• 1626 : L'Ânesse de Balaam (Musée Cognacq-Jay)[46]
• 1626 : La Partie de musique (Rijksmuseum, Amsterdam)[47]
• 1627 : Saint Paul en prison (Alte Staatsgalerie, Stuttgart)
• 1629 : L'Artiste dans son atelier (Museum of Fine Arts, Boston)[48]
• 1630 : La Résurrection de Lazare (Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles)[49]
• 1630 : Jérémie pleurant (Rijksmuseum, Amsterdam)[50]
• 1630-1635 : Un Turc (National Gallery of Art, Washington, DC)
• 1631 : Andromède enchaînée aux rochers (Mauritshuis, La Haye)
• 1631 : Portrait de Nicolaes Ruts (Frick Collection, New York)
• 1631 : Le Christ en Croix (Collégiale Saint-Vincent, Le Mas-d'Agenais, France)
• 1632 : La Leçon d'anatomie du docteur Tulp (Mauritshuis, La Haye)
• 1632 : Philosophe en méditation (Musée du Louvre, Paris)
• 1632 : Jacob de Gheyn III (Dulwich Picture Gallery, Londres)
• 1632 : Portrait d'un noble oriental (Metropolitan Museum of Art, New York)[51]
• 1633 : Saskia (portrait de sa femme réalisé pour leurs fiançailles, National Gallery, Londres)
• 1634 : Artémis (Musée du Prado, Madrid)
• 1635 : Le Sacrifice d'Isaac (Musée de l'Ermitage, Saint Petersbourg)
• 1635 : Le Festin de Balthazar (National Gallery, Londres)
• 1636 : L'Aveuglement de Samson (Musée Städel, Francfort-sur-le-Main)
• 1636 : Danaé (Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg)
• 1637 : L'Archange Raphaël quittant la famille de Tobie (Musée du Louvre, Paris)
• 1637 : Portrait du pasteur Eleazer Swalmius (Musée royal des Beaux-Arts, Anvers)
• 1641 : Savant à son pupitre (Palais royal de Varsovie)
• 1641 : Le Portrait d'une jeune fille (Palais royal de Varsovie)
• 1642 : La Compagnie de milice de Frans Banning Cocq, plus connue sous le nom de Ronde de Nuit (Rijksmuseum, Amsterdam)[52]
• 1643 : Le Bœuf écorché (Kelvingrove Art Gallery and Museum ; Musée du Louvre, version de 1655)
• 1644 : Le Christ et la femme adultère (National Gallery, Londres)
• 1648 : Les Pèlerins d'Emmaüs (Musée du Louvre, Paris)
• 1650 : Le Moulin (National Gallery of Art, Washington, DC)
• 1653 : Aristote contemplant le buste d’Homère (Metropolitan Museum of Art, New York)[53]
• 1654 : Bethsabée au bain tenant la lettre de David (Musée du Louvre, Paris)
• 1655 : Titus (Musée Boymans-van Beuningen, Rotterdam)
• 1659 : Autoportrait avec béret et col droit (National Gallery of Art, Washington)[54]
• 1661 : Mater Dolorosa (Musée départemental d'art ancien et contemporain, Épinal)
• 1662 : La Conspiration de Claudius Civilis (Nationalmuseum, Stockholm)
• 1662 : Le Syndic de la guilde des drapiers (Rijksmuseum, Amsterdam)[55]
• 1663 : Autoportrait en Zeuxis (Wallraf-Richartz Museum, Cologne)
• 1664 : La Fiancée juive (Rijksmuseum, Amsterdam)[56]
• 1665-1669 : Autoportrait aux deux cercles (Kenwood House, Londres)
• 1666 : Lucrèce (Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis)
• 1668 : Homme à la loupe (Metropolitan Museum of Art, New York)[57]
• 1669 : Le Retour du fils prodigue (Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg)

Autoportrait dessinant à la fenêtre (gravure, 1648).

Près de 300 feuilles sont attribuées actuellement au peintre (contre plus de 1300 dans les années 1950). Il s'agit essentiellement d'exercices de style, la plupart n'ayant pas de rapport direct avec un tableau existant. Les plus riches collections sont conservées à Londres, Amsterdam, Berlin et au Musée du Louvre.

Le peintre a utilisé de nombreuses techniques dont la sanguine, l'encre, la pierre noire. Les thèmes en sont divers mais différents de ceux de ses tableaux : peu de portraits et beaucoup de paysages.

La Pièce aux cent florins (ca. 1649)

Le peintre reste l'un des grands aquafortistes du XVII^e siècle et a laissé près de 290 planches qui pour la plupart ne correspondent pas aux originaux car Rembrandt aimait les retravailler. Il a probablement appris la technique auprès de Jan Lievens qui partageait sans doute son atelier à Leyde.

Ses premières eaux-fortes datent de 1626 :Repos en Égypte (B 59) et La circoncision (s 398). Rembrandt n'a pas coutume de signer et dater les eaux-fortes. Une seule échappe à cette règle : Jeune homme au buste : autoportrait (B 338). Il s'est spécialisé dans la technique de l'eau-forte, utilisant une plaque de cuivre recouverte d'un vernis, ce qui permet de travailler sur cette dernière avec le même geste que le dessinateur. De l'acide attaquait ensuite les zones découvertes par le vernis (la morsure), formant un relief en creux qui pouvait retenir l'encre. Rembrandt utilisait plusieurs techniques complémentaires : la double morsure où il reprenait la plaque en la recouvrant une deuxième fois d'un vernis transparent, l'emploi complémentaire d'un burin pour accentuer certains traits, ou d'un « mordant » directement sur la plaque afin d'obtenir des effets de brume. Il a laissé également des irrégularités d'encrage permettant la constitution de voiles plus ou moins opaques.

L'année 1630 est extrêmement prolifique : Rembrandt faisant la moue (B 10), Rembrandt à la bouche ouverte (B 13), Rembrandt au bonnet fourré et habit blanc (B 24), Présentation au temple, avec l'ange (B51), Jésus-christ au milieu des docteurs de la loi (B66), Gueux et gueuse (B 164), Gueux assis sur une motte de terre ; ressemblant à Rembrandt (B 174), Tête d'homme chauve (B 292), Tête d'homme chauve, tourné à droite (B 294), Tête d'homme de face (B 304), Vieillard à grande barbe (B 309), Tête de face riante : autoportrait (B 316), Tête d'homme au bonnet coupé ; Rembrandt aux yeux hagards (B 320), Homme à moustaches relevées et assis (B 325). Ce sont de petits formats[58].

Entre 1650 et 1655, Rembrandt a fait quelques rares planches directement en taille-douce.

Signatures de Rembrandt.

« Rembrandt » est une modification de l'orthographe du prénom de l'artiste qu'il a présentée en 1633. Ses premières signatures (vers 1625) se composaient d'un premier « R », ou le monogramme « RH » (pour Rembrant Harmenszoon, c'est-à-dire « fils de Harmen »), et à partir de 1629, « RHL » (« L » était, vraisemblablement, pour Leiden). En 1632, il a utilisé ce monogramme au début de l'année, puis a ajouté à son patronyme, « RHL-van Rijn », mais a remplacé cette forme dans la même année et a commencé à utiliser son prénom seul avec son orthographe d'origine, « Rembrant ». En 1633, il a ajouté un « d », et a toujours maintenu cette forme à partir de là, ce qui prouve que cette petite modification avait un sens pour lui. Ce changement est purement visuel, il ne change pas la façon dont son nom est prononcé. Curieusement, malgré le grand nombre de peintures et de gravures signées avec ce changement de prénom, la plupart de ses documents qui sont mentionnés au cours de sa vie ont conservé l'orthographe originelle « Rembrant ». (Note : la chronologie approximative de la signature des formes ci-dessus s'applique aux peintures et, dans une moindre mesure, à la gravure, de 1632, vraisemblablement, il n'y a qu'une seule gravure signée « RHL-v. Rijn », le grand format La résurrection de Lazare (B 73) ). Sa pratique de signer son travail de son prénom a probablement été inspirée par Raphaël, Léonard de Vinci et Michel-Ange, qui, hier comme aujourd'hui, ont été appelés par leur prénom seul[59].

La distinction entre l'œuvre originale du peintre et celle faite par son atelier est difficile et les attributions ont été variables dans le temps, Rembrandt n'hésitait pas en effet à signer de son nom des tableaux qui étaient l'œuvre de collaborateurs parfois éloignés, le peintre entretenant sciemment cette confusion même pour des autoportraits. De plus, certaines de ses œuvres qui lui furent attribuées étaient réalisées par de ses élèves ou des imitateurs qui prenaient parfois la liberté de signer du nom de Rembrandt[60].

En 1836 est publié le premier recensement de son œuvre peinte, fait par John Smith, qui compte près de 600 tableaux. Près de 400 peintures supplémentaires lui sont attribuées par la suite, grâce à l'étude de Wilhelm von Bode publiée chez Charles Sedelmeyer (8 volumes, 1897-1907). Un inventaire de 1915 ramène ce nombre à 740 et Abraham Bredius à 600 dans un catalogue publié en 1935[61].

En 1968, le Rembrandt Research Project (RRP) a été créé sous l'égide de l'Organisation néerlandaise pour l'avancement de la recherche scientifique (Nederlandse Organisatie voor Wetenschappelijk Onderzoek) et publie un nouveau catalogue raisonné qui porte à 420 le nombre de tableaux. Des historiens d'art et des experts de plusieurs disciplines se sont associés pour valider l'authenticité des travaux attribués à Rembrandt et établir une liste complète de ses peintures au sein d'un catalogue raisonné. Certaines œuvres ont été retirées de la liste après expertise, dont Le Cavalier polonais, conservé par la Frick Collection de New York. La plupart des experts, parmi lesquels le D^r Josua Bruyn du RRP, attribuent maintenant ce tableau à l'un des plus talentueux élèves de Rembrandt, Willem Drost. En 2003, le comité poursuit ses travaux d'investigation. Les enjeux de ces désattributions sont de taille et suscitent de grosses polémiques : un Rembrandt peut se vendre dans les années 2010 à plus de 28 millions de dollars américains ; la Wallace Collection, qui avait 11 tableaux de Rembrandt, ne se retrouve plus qu'avec un seul authentifié. L'expertise de L'Homme au casque d'or, exposé à la Gemäldegalerie de Berlin, a également abouti à la conclusion que son « attribution à Rembrandt est à présent pratiquement exclue »[62].

À la suite des désattributions effectuées par les experts (notamment Ernst van de Wetering, directeur du Rembrandt Research Project), il n'en resterait actuellement que 357 estimés authentiques[63].

Fin 2018, des études menées à l'European Synchrotron Radiation Facility permettent de comprendre la technique utilisée par Rembrandt pour donner du relief à ses peintures. L'artiste utilisait la technique d'empâtement pour donner ce relief mais l'ingrédient extrêmement rare mis en évidence est la plombonacrite, de formule chimique Pb₅(CO₃)₃O(OH)₂[64]^,[65].

• Rembrandt - Caravaggio, Musée Van Gogh d'Amsterdam, du 28 février 2006 au 18 juin 2006.
• Rembrandt : La lumière de l’ombre, Bibliothèque nationale de France, du 11 octobre 2006 au 7 janvier 2007.
• Portraits hollandais au siècle de Rembrandt et Frans Hals, Musée Mauritshuis Korte Vijverberg 8 - La Haye, du 13 octobre 2007 au 13 janvier 2007.
• L'Âge d'Or hollandais - de Rembrandt à Vermeer avec les trésors du Rijksmuseum, Pinacothèque de Paris, du 7 octobre 2009 au 7 février 2010.
• Rembrandt et la figure du christ, Musée du Louvre, du 21 avril 2011 au 18 juillet 2011.
• Rembrandt intime, Musée Jacquemart-André, Paris, du 16 septembre 2016 au 23 janvier 2017.
• Rembrandt au Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas, du 31 janvier 2019 au 15 septembre 2019.
• Exposition consacrée aux années d’apprentissage de Rembrandt, Musée De Lakenhal, Leyde, Pays-Bas, du 3 novembre 2019 au 9 février 2020.

Le tableau L’enfant à la bulle de savon, volé au musée de Draguignan le 13 juillet 1999, dont la valeur était estimée à plus de 20 millions de francs en 1999 (4 millions d'euros), a été retrouvé le 19 mars 2014, l'auteur du vol s'étant rendu volontairement à la gendarmerie de Marmande[73]^,[74]. Cependant, depuis que la toile (non signée) a été retrouvée, la grande majorité des experts^[Qui ?], historiens de l'art et conservateurs de musées en France comme ailleurs ont fait part de leurs doutes quant à son authenticité, y voyant la main d’un élève ou d’un imitateur. La conservatrice du musée rappelle que la toile est considérée comme un Rembrandt depuis son acquisition, ce qui ne vaut pas comme argument puisque les attributions étaient très généreuses autrefois, alors que l'on manquait de moyens scientifiques d'analyse des peintures^{[réf. nécessaire]} : propriété du comte de Tourves, la toile a fait l’objet d’une saisie révolutionnaire en 1794, pour intégrer le musée de Draguignan. Le tableau a retrouvé les collections du musée le 24 juin 2014[75].

Ce travail a été réalisé en partenariat avec une équipe de Microsoft, le musée de la maison Rembrandt à Amsterdam, l'université de technologie de Delft et la galerie royale de Mauritshuis à La Haye, et a été présentée le 5 avril 2016 à Amsterdam[76]. Résultat d'un travail collaboratif de 18 mois, le rendu de 148 millions de pixels s'appuie sur les technologies d'apprentissage automatique et l'impression 3D. 346 peintures ont été scannées en 3D pour enregistrer les couleurs et le relief de l'huile. Ces images ont ensuite été analysées par un algorithme qui en a extrait toutes les informations. Le programme a permis de faire ressortir les caractéristiques de l’œuvre du peintre pour faire le portrait-robot de ses œuvres soit un portrait, d'un homme de type caucasien, de face, regardant vers la droite, âgé entre 30 et 40 ans, vêtu de noir avec un col, portant la barbe et coiffé d'un chapeau[76]. Grâce à un algorithme de traitement et de reconnaissance d'image, les détails clés des œuvres de Rembrandt ont été mis en évidence : l’espacement des yeux, la position du nez, la forme des visages, etc. Treize couches ont été imprimées successivement avec une encre à UV spéciale pour respecter les multiples couches de peintures superposées les unes aux autres présentes sur les tableaux actuellement authentifiés de Rembrandt[76].

En 2019, pour les 350 ans de la mort du peintre, les Pays-Bas sont sous le signe de Rembrandt et du Siècle d'or néerlandais. NBTC Holland Marketing, le Rijksmuseum Amsterdam, le Mauritshuis, le Musée De Lakenhal, le Musée Prinsenhof de Delft, le Fries Museum (en), le Nederlands Scheepvaartmuseum et le Musée de la maison de Rembrandt collaborent avec des villes comme Middelbourg, Leyde, Dordrecht, Haarlem, Enkhuizen, Hoorn, Delft et Amsterdam[77]^,[78].

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

• (fr) [Musée du Petit Palais 1986] Musée du Petit Palais, Rembrandt : Eaux fortes, Paris, Paris Musées, 1986, 307 p. (ISBN 2-905028-10-6). 
• (fr) [Coppier 1929] André-Charles Coppier, Les eaux-fortes authentiques de Rembrandt, Firmin-Didot (2 vol.), 1929. 
  • La vie et l'œuvre du maître. La technique des pièces principales. Catalogue chronologique des eaux-fortes authentiques et des états de la min de Rembrandt. (114 pages).
  • Album des reproductions d'eaux-fortes (128 feuillets).
• (nl) Cornelis de Bie, Het Gulden Cabinet, 1662, p. 290.
• [Blanc 2006] Jan Blanc, Dans l'atelier de Rembrandt : Le maître et ses élèves, Paris, Éditions de la Martinière, 2006, 143 p. (ISBN 2-7324-3431-0). 
• [Boon 1963] Karel G. Boon (trad. Van Hermijnen), Rembrandt : Gravure : œuvre complet, Paris, Arts et métiers graphiques, 1963 (OCLC 25752837). 
• [Boon 1989] Karel G. Boon (trad. du néerlandais de Belgique par Van Hermijnen), Rembrandt : L'Œuvre gravé, Paris, Arts et métiers graphiques - Flammarion, 1989, 287 p. (ISBN 2-08-012952-X). .
• [Bull et al.] (en) Duncan Bull, Van Gogh Museum, Rembrandt, Caravaggio, Zwolle, Rijksmuseum Amsterdam, 2006, 208 p. (ISBN 978-90-400-9135-3, OCLC 64770900).
• [Houbraken 1718] (nl) Arnold Houbraken, « Rembrandt van Rijn », dans Le Grand Théâtre des peintres néerlandais, 1718 (lire en ligne). 
• [Schwartz 1978] Gary Schwartz (trad. de l'anglais), Rembrandt : L'œuvre gravé complet, Fribourg, Paris, Office du Livre, Société Française du Livre, 1978, 19 p. (ISBN 2-85109-045-3). 
• [Slive 1953] (en) Seymour Slive, Rembrandt and His Critics, 1630–1730, La Haye, M. Nijhoff, 1953, 240 p. (ISBN 0-87817-311-0). 
• [Starcky 1990] Emmanuel Starcky, Rembrandt : les chefs d'œuvre, Hazan, 1990 (ISBN 978-2-85025-212-9). .
• Christian Tümpel, Rembrandt, Anvers/Paris, 1986.
• Christian Tümpel, Rembrandt, Études iconographiques, Signification et interprétation du contenu des images, Saint Pierre de Salerne, 2004.
• Christian Tümpel, Rembrandt, Pictures and Metaphors, Londres 2006.
• Anne-Sophie Molinié, Rembrandt, d'ombre et de lumière, Garches, À Propos, 2006 (ISBN 2-84186-334-4)
• (en) Christopher White, Rembrandt and his World, Londres, Thames & Hudson, 1964 (OCLC 774595857).

Plusieurs fictions, au cinéma ou à la télévision, ont retracé la vie de Rembrandt :

• Rembrandt (1936), film britannique réalisé par Alexander Korda, avec Charles Laughton dans le rôle de Rembrandt.
• Rembrandt (1940), film néerlandais de Gerard Rutten (film considéré comme perdu).
• Rembrandt (1942), film allemand réalisé par Hans Steinhoff, avec Ewald Balser dans le rôle de Rembrandt.
• Rembrandt fecit 1669 (1977), film néerlandais réalisé par Jos Stelling, avec Frans Stelling dans le rôle de Rembrandt jeune et Ton de Koff dans le rôle de Rembrandt vieux.
• La Ronde de nuit (1978), téléfilm français réalisé par Gabriel Axel, avec Michel Bouquet dans le rôle de Rembrandt.
• Rembrandt (1999), film français réalisé par Charles Matton, avec Klaus Maria Brandauer dans le rôle de Rembrandt.
• La Ronde de nuit (2007), film britannique réalisé par Peter Greenaway, avec Martin Freeman dans le rôle de Rembrandt.

• Âge d'or de la peinture néerlandaise
• Les œuvres de Rembrandt aux Offices de Florence
• Rembrandtplein

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• (en)(nl) La maison de Rembrandt à Amsterdam
• (en)(nl) Œuvres de Rembrandt au Rijksmuseum Amsterdam
• (fr) Exposition virtuelle Rembrandt à la Bibliothèque nationale de France

Dossiers

• Didier Burg, « Les Pays-Bas se mobilisent pour Rembrandt », sur Les Échos, 23 septembre 2015 (consulté le 22 avril 2019)
• Florence Evin, « L’éclat retrouvé des époux Soolmans-Coppit peints par Rembrandt au Louvre », sur Le Monde, 2 octobre 2018 (consulté le 22 avril 2019)
• Sabine Gignoux, « Rembrandt, une lumineuse fragilité », sur La Croix, 7 mars 2019 (consulté le 10 mars 2019)
• Le Monde/Culture, « Le Louvre Abu Dhabi célèbre les peintres du siècle d’or hollandais », sur Le Monde, février 2019 (consulté le 10 juin 2019)
• Bénévent Tosseri, « Rembrandt dans sa bulle », sur La Croix, 11 mai 2019 (consulté le 12 mai 2019)
• Isabelle Chenu, « « Tous les Rembrandt » exposés à Amsterdam », sur Radio France internationale, 11 mars 2019 (consulté le 14 juin 2019)
• Vincent Noyoux, « Sur les pas de Rembrandt, dans la Hollande du Siècle d’or », sur Le Figaro, 14 juin 2019 (consulté le 14 juin 2019)

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