Art de la Renaissance

Giuseppe Arcimboldo, L'Été, Musée du Louvre

Alors qu'au Moyen Âge la création artistique était essentiellement tournée vers la religion chrétienne, la Renaissance artistique utilise les thèmes humanistes (tolérance, liberté de pensée, paix, éducation visant l'épanouissement de l'individu, etc.) et de la mythologie antique. Le renouvellement de la réflexion philosophique fournit aux artistes de nouvelles idées : avec le néoplatonisme, l'Homme est au centre de l'univers. Les peintres et les sculpteurs n'hésitent plus à représenter la beauté des corps humains dénudés. L'étude des textes antiques, le renouveau de la philologie avec Laurent Valla, permettent aux architectes de s'affranchir du style gothique. Ils utilisent les enseignements de Pythagore et de Vitruve pour élaborer leurs plans. La pensée se libère progressivement des contraintes religieuses et se tourne vers les aspirations au bonheur, à la paix et au progrès. Les écrivains et les philosophes s'intéressent désormais à tous les domaines de la connaissance. Ils recopient et traduisent des manuscrits et recherchent des textes nouveaux. Ces idées renouvelées se diffusent sur le continent européen grâce à l'imprimerie et aux voyages des humanistes. Les premières bibliothèques sont créées telles que la Bibliothèque apostolique vaticane (vers 1450).

• La Première Renaissance 1300-1490 : elle a pour capitale Florence. Il s'agit de se dégager des principes de la scolastique médiévale en revenant aux modèles antiques. Invention de la perspective en 1409 par Brunelleschi, Donatello et Masaccio.
• La Haute Renaissance 1490-1530 : elle a pour capitale Rome. C'est l'époque des grands projets et des grandes entreprises menés par Léonard de Vinci, Raphaël, le Vatican et Michel-Ange la chapelle Sixtine, par Bramante le dôme de la basilique Saint-Pierre.

Un thème mythologique de la Renaissance : Diane, déesse romaine de la chasse, XVI^e siècle, musée du Louvre.

Grâce à l'arrivée des compilations et des artistes byzantins, chassés par l'invasion ottomane, Végèce, Pythagore, Euclide sont de nouveau disponibles dans leurs manuscrits grecs originaux. L'imprimerie utilisait les caractères romains. Dans les arts plastiques, le nu est davantage utilisé qu'au Moyen Âge et le mouvement est rendu de façon réaliste par le hanchement.

Les artistes de la Renaissance relisent les mythes de l'Antiquité païenne qui leur donnent de nouveaux sujets de production. Les découvertes archéologiques (groupe du Laocoon), comme les fouilles des thermes de Caracalla par les Farnèse, inspirent les sculpteurs et les architectes des XV^e et XVI^e siècles. La villa de l'empereur Hadrien ou encore le Panthéon de Rome offrent des modèles de construction radicalement différents du style gothique. Les formes de l'Antiquité reviennent à la mode : colonnes, pilastres, frontons, coupoles, statues décorent les édifices de cette époque. L'Ancien Testament et le christianisme catholique inspirent toujours les œuvres d'art.

Albrecht Dürer, Allégorie de la Mélancolie : un nouveau thème et une nouvelle technique, la gravure.

L'avancée des sciences profite aux arts : tout au long du XV^e siècle, les peintres maîtrisent de mieux en mieux la perspective linéaire et les proportions. Au XIV^e siècle, l'apparition de la peinture à l'huile donne plus de profondeur aux œuvres. L'emploi de toiles remplace peu à peu le support en bois. Léonard de Vinci réalise la Joconde avec des effets de sfumato. L'invention de l'imprimerie au milieu du XV^e siècle ainsi que les nouvelles techniques de gravure (xylographie) autorisent la reproduction et la diffusion d'œuvres sur tout le continent. Les estampes se multiplient dans les livres et remplacent les précieuses enluminures des manuscrits médiévaux.

Des progrès furent marqués en médecine et en anatomie, en particulier après la première traduction de nombreuses œuvres antiques d'Hippocrate et de Claude Galien aux XV^e et XVI^e siècles, et les avancées réalisées sous l'égide des auteurs antiques comprennent la résolution d'équations du troisième degré et les découvertes astronomiques de Nicolas Copernic, de Tycho Brahe et de Johannes Kepler. À la fin du XVI^e siècle, Galilée avait franchi le pas et appliqué les modèles mathématiques à la physique. La géographie fut transformée par une nouvelle connaissance empirique dérivée des explorations au-delà de l'Europe et des premières traductions des œuvres antiques de Ptolémée et de Strabon. Le savoir est ensuite appliqué en dessin, en peinture et en sculpture, comme en témoignent la célèbre représentation de l'Homme de Vitruve par Léonard de Vinci ou les gravures de Dürer. Il est alors possible de définir un système de proportions idéales et de représenter fidèlement un corps humain. Les tableaux et les fresques sont alors plus réalistes qu'au Moyen Âge.

Après le déclin démographique du XIV^e et de la première moitié du XV^e siècle, la population européenne commence à retrouver son niveau d'avant la crise. Même si des épidémies sont récurrentes en Europe jusqu'au XVIII^e siècle, la grande peste noire s'est éloignée. Les famines sont plus espacées. Les fortes densités que l'on rencontre au XVI^e siècle dans les Flandres et l'Italie du Nord sont favorables à une intensification du travail. La guerre de Cent Ans s'achève en 1453 et les châteaux forts vont laisser progressivement la place à des palais d'agrément. Entre 1500 et 1580, le climat semble plus doux avant de se refroidir à nouveau au cours du petit âge glaciaire. Avec la découverte de l'Amérique en 1492, l'or et l'argent affluent en Europe et favorisent la reprise économique. Les grands voyages et le commerce maritimes permettent l'essor des grandes villes et leur embellissement.

Verrochio, Buste de Laurent de Médicis, un mécène. Conservé à la National Gallery of Art, Washington DC.

Les cours princières sont les lieux privilégiés de l'épanouissement de la culture renaissante. Dans le domaine artistique, de nombreux mécènes ont constitué d'importantes collections. Ils appartiennent tous à l'aristocratie du pouvoir (princes, ducs, rois, pape) et de l'économie (grands marchands qui investissent leur argent dans la production artistique). L'artiste à la Renaissance est tributaire de la commande publique (émanant surtout de l'Église ou des confréries) puis progressivement privée mais les exigences du mécène, contrairement à une idée reçue, ne constituent pas forcément un frein à sa créativité[2]. Il travaille d'abord comme artisan dans les bottega (ateliers dans lesquels il gravit les échelons : apprenti, compagnon, maître) qui se regroupent parfois en compagnia pour partager les charges et les risques avant d'acquérir à partir des années 1470 le statut d'artiste travaillant dans un atelier individuel et dont le mécène réclame la signature (il lui demande de plus en plus de réaliser les éléments importants de sa commande et de ne plus les confier à ses élèves, afin de reconnaître sa « touche »)[3].

• Les Médicis : Laurent le Magnifique soutient la création artistique de Verrocchio et de Botticelli.
• Les commandes des Montefeltro concernaient des domaines aussi variés que la bibliophilie, les tapisseries ou les peintures.
• Ludovic Sforza (1452-1508), duc de Milan, fit travailler Léonard de Vinci et Bramante.
• Les papes font travailler les artistes de la Renaissance à Rome : Michel-Ange peint la chapelle Sixtine, Alexandre VI Borgia (1492-1503), Jules II (1503-1513), Léon X (1513-1521), Paul III Farnèse (1534-1549)
• En France, les guerres d'Italie sont l'occasion pour les rois d'entrer en contact avec l'art de la Renaissance et de piller quelques-uns de ses chefs-d'œuvre. François I^er invite des artistes italiens (Léonard de Vinci à Amboise ; Benvenuto Cellini, Rosso Fiorentino, Le Primatice à Fontainebleau...).
• Les marchands deviennent aussi des amateurs d'art : Jacques Cœur dans la France du XV^e siècle, le riche banquier italien Roberto Strozzi en 1489...

Les foyers de la Renaissance artistique en Italie :
Au nord : Venise, Padoue, Ferrare, Mantoue, Milan, Parme.
Au centre : Florence, Rome, Urbino, Pérouse.
Au sud : Naples[4].

La Renaissance en Italie est précoce (par rapport au reste de l'Europe et particulièrement de la France) :

Suivant les historiens de l'art, elle commence au Duecento (XIII^e siècle) ou au Trecento (XIV^e) par une période dite de Pré-Renaissance (Selon l'historien de l'art Jacob Burckhardt, cette Renaissance avant l'heure commence dès le XI^e siècle en Toscane et se diffuse le siècle suivant jusqu'en Provence et en Italie médiane) et se poursuit pleinement par la Première Renaissance au Quattrocento.

Elle se transforme en Haute Renaissance au début du Cinquecento (entre 1500 et 1530), suivie du maniérisme ou Renaissance tardive qui va de 1520 (mort de Raphaël) pour se finir rapidement en 1580.

Le baroque, qui débute à la charnière des XVI^e et XVII^e siècles, naît également en Italie, se poursuit ensuite en baroque tardif, nommé plus précisément période rococo (qui est suivi par le néoclassicisme).

En outre, le modèle italien s'est heurté à des adaptations voire à des résistances nationales : les protestants refusent le modèle romain. En France s'élabore une synthèse originale entre les apports italiens et la tradition française médiévale. Du Bellay dénonçait l'italianisation de la langue française. Si le château de Chambord est construit selon un plan centré, peu d'architectes français adoptent ce modèle. Le château d'Écouen représente bien ce type de palais dont l'architecture est à la fois médiévale (carré, très imposant, cerclé de douves...) et Renaissance (décoration des fenêtres, multitude de cheminées...).

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  Sur cette photographie aérienne du château d'Écouen on perçoit bien les éléments médiévaux : le plan carré, la position dominante et stratégique, les douves...
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  Sur cette façade on peut au contraire sentir l'influence de la Renaissance italienne, avec une ornementation qui rappelle les palais antiques.
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  Enfin, sur cette autre façade on peut constater que si le château est structurellement symétrique (carré), chaque façade est unique et très différente des autres.

Le château d'Azay-le-Rideau conserve des tours rondes d'inspiration médiévale. Les châteaux de Chenonceau, Fontainebleau, Chantilly, Anet ou Gaillon ne sont pas symétriques. Ce sont surtout les motifs et la décoration italienne qui s'instaurent, à la suite des guerres d'Italie (voir notamment les cheminées peintes du château d'Écouen, pièces uniques qui symbolisent l'influence de l'art décoratif italien). Philibert Delorme a même voulu créer un ordre architectural français. Jean et François Clouet, d'origine flamande, sont au service des Valois. Jean Clouet exécute un portrait de l'humaniste Guillaume Budé.

Bas-relief de Jean Goujon

Hotel de Ville de Poznan (Pologne).

L'histoire des pays germaniques est marquée par la mise au point de l'imprimerie par Gutenberg et le succès de la gravure (Martin Schongauer, Albrecht Dürer). La sculpture s'épanouit entre 1460 et 1520. La peinture de retable est à son apogée avec Matthias Grünewald. Le marchand et banquier Jacob Fugger se rend souvent à Venise et tombe sous la séduction de l'art renaissant italien. Il fait aménager une chapelle à Augsbourg, expression d'une architecture renaissante spécifiquement allemande. En 1548, Titien s'établit dans cette ville et peint des portraits pour la bourgeoisie marchande. Avec la Réforme, un mouvement iconoclaste se répand et détruit les œuvres religieuses dans les pays germaniques. L'Europe orientale fut sans doute moins réceptive au modèle italien. Quelques artistes italiens ont travaillé à Moscou, mais ils furent peu nombreux. Les territoires orthodoxes regardaient davantage vers Byzance que vers Rome. Ils sont de culture slave et utilisent le cyrillique. À partir de 1453, Constantinople passe dans les mains des Turcs ottomans. Dans la deuxième moitié du XV^e siècle, le roi de Hongrie Mathias Corvin organise une cour brillante et une bibliothèque réputée à Buda. Vienne connaît des destructions causées par les Ottomans en 1529. Puis Ferdinand de Habsbourg (1503-1564) introduit l'art italien à sa cour du Hofburg. À Prague, Rodolphe de Habsbourg (1552-1612) s'entoure d'artistes maniéristes tels que Bartholomeus Spranger (1546–1611), Giuseppe Arcimboldo (1527–1593), Hans von Aachen (1552–1615), et Adrien de Vries (1545/46–1626).

Hans Holbein le Jeune, Portrait de Thomas More, conservé à New York, the Frick Collection.

Dans le domaine pictural, les paysages ne sont pas forcément antiques, mais reproduisent l'environnement régional : Quentin Metsys peint un décor rural nordique derrière la Vierge à l'enfant à l'agneau (1515-1524). Toujours en Europe du Nord, Pieter Brueghel l'Ancien, Pieter Aertsen et Joachim Patinier incarnent la résistance aux thèmes italiens.

Au XV^e siècle, la prospérité de Bruges se manifeste dans le commerce de la laine, mais aussi dans les arts : Jan van Eyck, Hans Memling et Gérard David s'y sont installés. Les Pays-Bas bourguignons restent le principal centre de production de tapisseries en Europe.

Robert Campin et Rogier van der Weyden produisent des tableaux pour les autels des églises. Hugo van der Goes (1435/1445–1482) peint un triptyque pour le banquier florentin Tommaso Portinari. Au début du XVI^e siècle, Anvers éclipse Bruges comme place financière et marchande. Quentin Metsys (1465/1466–1530), Joachim Patinier (1475/1485–1524) et Pieter Brueghel l'Ancien (1525/1530–1569) y travaillent et représentent la bourgeoisie. Le peintre Jan Gossaert visite l'Italie et diffuse sa mode dans les Pays-Bas espagnols. Jan van Scorel (1495–1562) est influencé par Raphaël et Michel-Ange. Philippe II d'Espagne achète des tableaux des maîtres flamands Rogier van der Weyden et Jérôme Bosch. Dans la deuxième moitié du XVI^e siècle, Pieter Brueghel l'Ancien se spécialise dans la peinture de genre. En 1566, une vague d'iconoclasme protestant cause d'importants dommages dans la cathédrale d'Anvers.

Dans les îles britanniques, la Renaissance artistique peut commencer à s'épanouir après la guerre des Deux-Roses (1485) et l'émergence de la puissance maritime anglaise. La première presse à imprimer est installée en 1476 à Westminster par William Caxton. Hans Holbein le Jeune travaille à Londres à partir de 1532. Il exécute le portrait de l'humaniste anglais Thomas More. Les marchands allemands de la ligue hanséatique puis le roi Henri VIII d'Angleterre sont ses principaux clients. Le monarque fait agrandir les palais de Whitehall et d'Hampton Court, et construire Nonsuch Palace.

Patio du Palais de Charles Quint réalisé entre 1527 et 1537 par l'architecte  Pedro Machuca, au sein de l'Alhambra de Grenade.

Dans les arts ibériques, les influences arabes sont encore visibles au début du XIV^e siècle. Le royaume de Grenade reste aux mains des Nasrides jusqu'en 1492. Gil de Siloé, sans doute originaire des Pays-Bas, travaille pour le roi de Castille et respecte encore la tradition gothique. Mais son fils Diego de Siloé (deuxième moitié du XVI^e siècle) s'inspire de la Renaissance italienne en adoptant la symétrie. Juan Guas (1430–1496), architecte à la cour d'Isabelle la catholique, dessine les plans du monastère de San Juan de los Reyes à Tolède. Le style plateresque, qui se caractérise par une profusion ornementale, connaît un grand succès en Espagne au XVI^e siècle. Après le concile de Trente, la contre-réforme se fait sentir dans le domaine artistique (art jésuite) et littéraire (Juan de la Cruz, Thérèse d'Ávila). En 1561, Philippe II installe sa cour à Madrid et fait construire le palais de l'Escurial. Il acquiert des tableaux italiens, mais aussi flamands. Enfin, dans les années 1570, le peintre grec Le Greco s'établit à Tolède : son œuvre mélange des éléments byzantins et vénitiens. Au Portugal, le style manuélin témoigne de l'ouverture maritime du pays depuis Henri le Navigateur.

L'architecture gothique privilégiait la verticalité et la prouesse technique. L'architecture renaissante préfère les lignes horizontales et recherche l'harmonie des volumes. Les ordres antiques réapparaissent sur les chapiteaux des colonnes. Des éléments de décoration empruntés à l'Antiquité fleurissent sur les façades : bas-reliefs, pilastres, trophées, vases, guirlandes... La nouveauté architecturale la plus remarquable est le plan centré à coupole, inspiré notamment du Panthéon de Rome. Les exemples sont nombreux en Italie (Saint-Pierre de Rome), moins fréquents dans le reste de l'Europe (chapelle du château d'Anet). Il faut attendre le XVII^e siècle pour voir se développer les dômes. Le plan basilical fait aussi son retour et l'importance du transept se réduit.

Le château de Chenonceau, dans le val de Loire, vu du jardin de Diane de Poitiers.

Les progrès de l'artillerie rendent inefficaces les défenses du château fort médiéval. François I^er fait raser le donjon du Louvre. Aussi, la résidence seigneuriale change radicalement d'aspect au cours du XV^e siècle : les murs sont percés de fenêtres, le décor envahit les façades et les galeries à arcades se multiplient à Blois, Chenonceau... La villa d'Este à Tivoli donne le goût des résidences rurales en Italie, palais de plaisance et lieu de raffinement. Des pièces aux nouvelles fonctions apparaissent, comme le cabinet, qui sert à l'étude et à l'écriture. Les bibliothèques privées s'enrichissent des livres imprimés (incunables), mais aussi d'œuvres d'art.

• amélioration du vernis, notamment grâce aux recherches de Léonard de Vinci
• la peinture sur toile remplace la peinture sur bois, trop chère^{[réf. nécessaire]}
• le tableau de chevalet

Adam et Ève, par Albrecht Dürer.

Le nu est peint pour lui-même, il devient sujet à part entière et expression esthétique. Les paysages prennent également de l'importance et sont réalisés pour leur valeur intrinsèque, surtout par les peintres des Flandres qui inaugurent une longue tradition. Au XVI^e siècle, les princes commencent à se constituer de véritables collections de tableaux. Les allégories (Botticelli) et les sujets mythologiques permettent à l'iconographie profane de se développer. Le nu féminin est à la fois érotique et l'expression d'un idéal de beauté. Le portrait existait déjà au Moyen Âge, de profil ; il se diffuse dans les milieux bourgeois de la Renaissance. Le plus célèbre est la Joconde de Léonard de Vinci. Les portraits viennent agrémenter les galeries de palais et des châteaux de plaisance. Ils prennent de l'importance en taille et immortalisent les rois à cheval. Cependant, l'art de la Renaissance continue aussi, comme au Moyen Âge, de représenter des thèmes catholiques. Jésus et sa mère, Marie, apparaissent dans les œuvres de Léonard de Vinci ou de Raphaël. Dans le domaine de la sculpture, les pietàs sont des sujets privilégiés.

Léonard de Vinci, Dame à l'Hermine, Czartoryski Museum, Cracovie.

Raphaël, La Madone aux œillets
(v. 1506-1507) — National Gallery, Londres.

Girolamo Dai Libri, Madonna du Chêne (1533 ou après) Musée de Castelvecchio de Vérone, Italie.

Les peintres sont classés par nom de famille.

Raphaël, Vierge à l'Enfant, 1504-1505, National Gallery of Art, Washington.

Célèbres artistes de la Renaissance italienne :

• Melozzo da Forlì, qui fut l'un des plus célèbres maîtres de la perspective. 1438-1494
• Michel-Ange, de nom d'origine Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. 1475-1564
• Donatello, de nom d'origine Donato di Niccolò di Betto Bardi. 1386-1466
• Piero della Francesca. 1420-1492
• Raphaël, de nom d'origine Raffaello Sanzio. 1483-1520
• Benvenuto Cellini 1500-1571
• Pierino da Vinci, neveu de Léonard de Vinci
• Fra Angelico

Propagation géographique par pays :

• Adrien de Vries
• Jean Goujon

Pour plus d'artistes voir la catégorie : Peintre de la Renaissance

• Le baroque poursuit la Renaissance tardive.
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• Textes sur les arts de la Renaissance
• L'encyclopédie de l'Agora
• Châteaux de la Renaissance
• Château de Fontainebleau
• Musée national de la Renaissance
• Sculpture à Florence au XV^e siècle
• (en) Dessins de la Renaissance
• (en) La redécouverte de l'Antiquité
• (en) La Renaissance en Europe : cartes, chronologies et œuvres
• (en) Society for Renaissance Studies
• Site Architectura du Centre d'Études Supérieures de la Renaissance à Tours
• Les Mouvements dans la peinture - La Renaissance

• Peter Burke, La Renaissance européenne, Paris, Le Seuil, 2000.
• Vincent Cronin, The Florentine Renaissance, London, Collins, 1967 (ISBN 0-00-211262-0) ; The Flowering of the Renaissance, London, Collins, 1969, (ISBN 0-7126-9884-1) ; The Renaissance, Collins, London, 1992 (ISBN 0-00-215411-0)
• Jean Delumeau, La civilisation de la Renaissance, Paris, Flammarion, 1984.
• Jean Delumeau, R. Lightbown, La Renaissance, Paris, Le Seuil, 1996.
• Collectif, L'Europe de la Renaissance 1470-1560, éditions Du Temps, 2002, Collection Questions d'histoire (ISBN 2-84274-200-1)
• Philippe Morel, L'art de la Renaissance, entre science et magie, PU Rennes, 2005 (ISBN 2-7535-0196-3)
• Gérard Legrand, Renaissance Art, éditions Chambers Harrap Publishers Ltd., 2005, Collection Comprendre, Format : Broché - édition anglais (ISBN 0-550-10121-7)
• Sophie Bajard, Claude Mignot, Daniel Rabreau, Histoire de l'art Flammarion. Temps modernes : XV^e – XVIII^e siècles, Flammarion, 1996, Collection Histoire de l'Art (ISBN 2-08-011602-9)
• Daniel Arasse, Andreas Tönnesmann, La Renaissance maniériste, Gallimard, 1997, Collection L'univers des formes (ISBN 2-07-011278-0)
• Heydenreich l. H., Éclosion de la renaissance, 1972, Collection L'univers des formes (ASIN B0000DT43L)
• Collectif, Histoire universelle de l'art, tome 6. La Renaissance : le quattrocento italien, la peinture flamande, éditions Ldf, 1993, (ASIN 2035052165)
• Collectif, Histoire universelle de l'art, tome 7. Renaissance et maniérisme, éditions Ldf, 1993 (ASIN 2035052173)
• Florence Revisitée Rene F Ventura- 2006 Ed. Champ social - les belles lettres
• Frédérique Lemerle et Yves Pauwels, L'architecture à la Renaissance, Paris, Flammarion, coll. Tout l'Art, 2^e édition, 2003

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