L'Armée des douze singes

L'idée du film vient à la base du producteur délégué Robert Kosberg, qui est un admirateur du court métrage français La Jetée (1962) et qui persuade son réalisateur, Chris Marker, de lui laisser présenter brièvement à Universal Pictures son projet de s'en servir de point de départ pour un film de science-fiction[6]. Universal accepte d'acheter les droits pour faire un remake et Janet et David Peoples sont engagés pour l'écriture du scénario. Le producteur Charles Roven choisit Terry Gilliam pour se charger de la réalisation car il pense que son style est parfait pour cette histoire à la narration complexe qui implique des voyages dans le temps[7]. Gilliam signe son contrat pour réaliser le film alors qu'il vient juste d'abandonner son projet d'adaptation du Conte de deux cités de Charles Dickens[8]. C'est également le deuxième film de Gilliam pour lequel il n'a pas écrit au moins en partie le scénario. Mais, même s'il préfère participer à l'écriture du scénario, Gilliam se déclare captivé par ce « script intelligent et intrigant. L'histoire est déconcertante. Elle traite du temps, de la folie et de notre perception du monde. C'est une étude de la folie et des rêves, de la mort et de la renaissance, qui se déroule dans un monde qui se désagrège[7]^,[trad 1]. »

Universal, échaudée par les dépassements de budget sur la production en cours de Waterworld, met plus de temps que prévu à accorder son feu vert pour lancer la production du film malgré un budget déjà bouclé d'un peu moins de 30 millions de $ (budget modeste pour une production hollywoodienne de science-fiction[9]) et la présence de trois célèbres acteurs au générique. Pour que la production puisse enfin démarrer, Gilliam persuade Bruce Willis de tourner pour un cachet inférieur à ce qu'il demande habituellement[10]. En raison de son précédent conflit avec Universal concernant la version définitive de Brazil (1985), Gilliam exige et obtient le privilège du final cut, le studio lui demandant en échange que le film ne soit pas interdit aux moins de 18 ans et que sa durée ne dépasse pas 2 h 15[11].

Bruce Willis joue le rôle de James Cole, envoyé dans le passé pour découvrir l'origine d'un virus mortel et hanté par un rêve récurrent.

À l'origine, Terry Gilliam veut Nick Nolte pour le rôle de James Cole et Jeff Bridges pour celui de Jeffrey Goines, mais Universal s'y oppose[8]. Gilliam, qui a rencontré Bruce Willis pour le casting du rôle tenu par Jeff Bridges dans Le Roi Pêcheur (1991), et qui a eu un bon contact avec lui, voit l'interprétation de Cole par Willis en évoquant « quelqu'un de fort et dangereux, mais aussi vulnérable[7]^,[trad 2]. » Willis doit se faire faire trois tatouages chaque jour de tournage : un sur le crâne avec son numéro de prisonnier, et un code-barres de part et d'autre du cou. Gilliam donne par ailleurs à l'acteur une liste de clichés de son jeu à ne surtout pas utiliser, en particulier son regard « bleu acier »[12]. En dehors de cela, Gilliam refuse de lui donner des directives précises et de débattre longuement avec lui sur son personnage car Willis se sent plus en confiance quand il est poussé dans une direction et le réalisateur veut justement éviter cela pour accentuer le côté déboussolé et torturé de Cole[13].

Pour le premier rôle féminin, Gilliam porte son choix sur Madeleine Stowe car il a été impressionné par son interprétation dans Blink (1994)[7]. Ils se sont rencontrés une première fois pour le casting de l'adaptation du Conte de deux cités[8], projet finalement abandonné. Selon Gilliam, « elle a cette incroyable beauté éthérée, et elle est incroyablement intelligente ; ces deux choses viennent très facilement avec elle, et le film a besoin de ces éléments, car il doit être romantique[7]^,[trad 3]. » D'après Gilliam, Stowe apporte de la stabilité au film, elle est « l'ancre » au milieu de toute cette folie, et le réalisateur confie en souriant qu'il a longuement discuté avec elle pendant le tournage, comme un patient avec sa psychiatre[13].

Pour le rôle de Jeffrey Goines, Gilliam n'est pas convaincu par le choix de Brad Pitt, mais se laisse persuader par son directeur de casting[8]. Le cachet de Pitt est relativement modeste (500 000 $[9]) car il est encore un acteur en devenir. Cependant, au moment de la sortie de L'Armée des douze singes, Entretien avec un vampire, Légendes d'automne et Seven sont sortis et ont fait de Brad Pitt une star, ce qui attire une plus grande attention sur le film et est un facteur non négligeable du succès commercial qu'il va rencontrer[11]. Quelques mois avant le tournage, Brad Pitt passe quelques semaines dans le service psychiatrique de l'hôpital de l'Université Temple de Philadelphie pour préparer son rôle[7].

Couloir du pénitencier Eastern State de Philadelphie, où ont été tournées les scènes de l'asile d'aliénés.

Le tournage se déroule du 8 février au 6 mai 1995[14]. Il a lieu principalement en extérieurs à Baltimore et Philadelphie et la météo hivernale pose quelques problèmes. Au sujet du choix des lieux de tournage, Gilliam remarque : « Cela me fascinait par avance de tourner à Philadelphie parce qu’il se dégage de son architecture un incroyable parfum de décadence et de pourriture. Or j'ai tout de suite ressenti L'Armée des douze singes comme un film sur l'échec, la décomposition, la nostalgie[9]. » Divers autres problèmes émaillent le tournage : des pépins techniques surviennent avec la sphère visuelle futuriste, élément du décor le plus coûteux du film ; des erreurs de continuité sont faites en raison de la complexité de l'intrigue et plusieurs scènes doivent être tournées une deuxième fois ; et Gilliam se blesse en faisant une chute de cheval à mi-tournage. En dépit de ces contretemps, le réalisateur réussit à rester dans les limites de son budget et le tournage ne dure qu'une semaine de plus que ce qui était prévu. « C'était un tournage difficile », reconnaît le chef décorateur Jeffrey Beecroft, « Le budget et le planning étaient très serrés. Terry [Gilliam] est un perfectionniste mais il s'est montré vraiment inflexible pour éviter tout dépassement de budget. Il s'est déjà fait crucifier pour cela pour Münchhausen et cela le hante encore[15]^,[trad 4]. »

L'équipe du film ne disposant pas du budget suffisant pour tourner en studio, de nombreuses scènes sont tournées dans des bâtiments abandonnés[16]. Les scènes de l'asile d'aliénés sont tournées dans l'Eastern State Penitentiary, une prison désaffectée de Philadelphie ; celles de l'aéroport à l'aéroport international de Baltimore pour les extérieurs et au Pennsylvania Convention Center de Philadelphie pour les intérieurs ; celles des interrogatoires de Cole par les scientifiques dans la centrale électrique désaffectée de Westport ; et la scène du cinéma au Senator Theatre de Baltimore[17]^,[18].

Malgré les contraintes budgétaires, Gilliam se montre à la hauteur de sa réputation de perfectionniste, en particulier lors d'une scène où Willis se fait une prise de sang et où on peut voir fugitivement sur le mur l'ombre d'un hamster tournant dans sa roue. Cette scène n'aurait dû prendre que quelques instants mais, le hamster ne voulant pas faire ce que Gilliam attend de lui, le réalisateur passe la journée pour la tourner jusqu'à ce qu'il obtienne le résultat voulu[11]. L'enfant devant interpréter Cole plus jeune, et que Gilliam a choisi pour la beauté de ses yeux, doit être remplacé au pied levé par Joseph Melito, dont le producteur Charles Roven a prévu la présence sur le plateau en cas de problème, car le jeu d'acteur du premier garçon n'est pas assez expressif[11]. Le tournage se termine avec la scène dans le parking de l'aéroport qui est également la dernière du film et au sujet de laquelle Gilliam et Roven ont de longues discussions. En effet, le réalisateur ne souhaite pas l'inclure alors que le producteur insiste pour qu'elle soit tournée. Gilliam propose alors de la tourner depuis une caméra sur une grue et avec des centaines d'automobiles en fond, dans l'espoir que Roven trouve cela trop coûteux. Mais le producteur est séduit par l'idée et la scène, jugée convaincante, est finalement conservée[11].

Terry Gilliam reprend le style de réalisation qu'il avait adopté pour Brazil, notamment au niveau de la direction artistique et de la photographie (utilisant spécifiquement des lentilles de Fresnel)[10]. Le design de la salle dans laquelle Cole est interrogé par les scientifiques est inspiré d'un dessin de l'architecte Lebbeus Woods, ce qui occasionnera plus tard des ennuis juridiques au film. Gilliam tient à montrer l'interrogatoire de Cole à travers de multiples écrans télévisés car il pense que ce mécanisme évoquera une « intervention cauchemardesque de la technologie. Vous essayez de voir les visages sur les écrans devant vous, mais les vrais visages et voix se trouvent en fait en bas et vous entendez ces voix minuscules dans votre oreille. C'est selon moi le monde dans lequel nous vivons, la façon dont nous communiquons désormais, à travers des appareils technologiques qui ont été prétendument créés pour communiquer mais qui pourraient avoir un autre but[19]^,[trad 5]. » Pour Jean Douchet, les décors et la photographie sont fortement influencés par le baroque et surtout par le cinéma expressionniste et ont pour but de faire passer un sentiment d'oppression et de confusion[20].

Le département artistique s'assure que le monde souterrain de 2035 utiliserait uniquement de la technologie d'avant 1996 afin de dépeindre au mieux ce futur froid et austère. Dans ce but, Gilliam, Beecroft et Crispian Sallis (le décorateur de plateau) visitent plusieurs marchés aux puces et entrepôts de récupération à la recherche de matériaux de décoration pouvant être assemblés pour construire les machines futuristes, notamment la machine à remonter le temps[11]. Pour créer la majeure partie des effets visuels, Gilliam fait appel aux services de Peerless Camera, compagnie d'effets spéciaux basée à Londres qu'il a lui-même fondée à la fin des années 1970 avec Kent Houston. Le compositing est assuré par la compagnie The Mill, alors que Cinesite se charge du balayage numérique[7].

La bande originale est composée, arrangée et dirigée par Paul Buckmaster. L’Introduccion de la Suite Punta del Este, du bandonéoniste de tango argentin Astor Piazzolla, est utilisée comme un leitmotiv tout au long du film[21]. What a Wonderful World de Louis Armstrong est joué une fois à la radio dans la scène de la voiture et sert de générique final, d'une façon ironique pour illustrer la fin du film[2]. La bande originale est sortie chez le label MCA le 19 décembre 1995[22].

Après une sortie limitée dans trois salles le 29 décembre 1995, le film est sorti aux États-Unis le 5 janvier 1996 dans 1 533 salles et a rapporté 13 842 990 $ pour son premier week-end d'exploitation[23]. Il est resté deux semaines en tête du box-office américain[3] et a rapporté dans le monde entier 168 839 459 $ (16^e au box-office mondial 1996), dont 57 141 459 $ aux États-Unis[23]. Cela en fait, en 2011, le plus grand succès commercial d'un film de Terry Gilliam. En Europe, il a réalisé 2 270 947 entrées en France (12^e au box-office 1996 dans ce pays), 366 050 entrées en Belgique et 218 205 entrées en Suisse. Il a dépassé les deux millions d'entrées en Allemagne (2 124 196) et le million d'entrées au Royaume-Uni (1 800 330) et en Espagne (1 386 434)[24].

Le film a reçu un accueil critique très positif, recueillant 88 % de critiques favorables, avec un score moyen de ^7,4⁄₁₀ et sur la base de 59 critiques collectées, sur le site Rotten Tomatoes[25]. Sur le site Metacritic, il obtient un score de ⁷⁴⁄₁₀₀, sur la base de 20 critiques collectées[26].

Pour Roger Ebert, du Chicago Sun-Times, qui lui donne 3 étoiles sur 4, le film bénéficie d'un scénario et d'une interprétation solide et est « une célébration de la folie et de la fatalité » où « même la romance entre Willis et Stowe semble plus désespérée que joyeuse », ce qui en fait un divertissement « s'adressant plus à l'esprit qu'aux sens[27]^,[trad 6]. » Desson Howe, du Washington Post, délivre une critique positive, louant le travail sur la réalisation, les décors et la photographie et écrivant que « les interprétations de Willis et de Pitt, l'atmosphère mise en place par Gilliam et un élan vivifiant contrebalancent aisément quelques failles du scénario[28]^,[trad 7]. » Peter Travers, de Rolling Stone, estime que Bruce Willis délivre une performance d'une « intensité émotionnelle effrayante », que Brad Pitt est « fantastique, trouvant une étincelle de folie dans ce personnage à des lieues de ses rôles de jeune premier » et que le film, porté par « le pouvoir séducteur de l'imagination tordue de Gilliam » « mérite d'être vu plusieurs fois[29]^,[trad 8]. » James Berardinelli, du site Reelviews, donne au film 3,5 étoiles sur 4, mettant en avant le scénario (une intrigue ambiguë qui n'est jamais trop difficile à suivre malgré les nombreux retournements de situation), la mise en scène et les décors[30]. Janet Maslin, du New York Times, estime qu'il s'agit du « meilleur des cauchemars évocateurs de Gilliam sur le monde moderne », un film « féroce et dérangeant » au scénario imprévisible[31]^,[trad 9].

Parmi les quelques critiques négatives, Richard Corliss, de Time Magazine, estime que Gilliam a le mérite d'être original mais se perd en route dans ce « spectacle donnant la chair de poule » et rempli de références cinématographiques qui finit par ressembler à un « Jumanji pour adultes »[32]. La rédaction de Variety écrit que c'est « un film spectaculaire et excessivement compliqué qui n'est ni aussi irrésistible visuellement que Brazil, ni aussi poignant que Le Roi Pêcheur[33]. »

En France, les critiques ont également été plutôt positives. Pour Jacques Morice, de Télérama, c'est un « thriller suffocant, aux confins du rêve et de la réalité, de la raison et de la démence » doublé d'un « délire poétique » avec un Willis « d'une sobriété impeccable » et Madeleine Stowe dégageant « une fragilité envoûtante ». Il regrette toutefois que « le film s'égare parfois » et que Gilliam en fasse « juste un peu trop »[34]. Gérard Lefort, de Libération estime qu'il a « tout bon » avec une « invasion de détails apparemment insignifiants qui contribue au malaise ambiant. Malaise qui joue avec les nerfs de nos petits plaisirs les plus suaves » et un Willis « tout simplement sensationnel[35]. » Michel Pascal, du Point, écrit que Gilliam « jette dans cette sombre fable sa formidable puissance visuelle et allégorique » avec sa « caméra qui crée magistralement le vertige de la fin de la planète » et regrette simplement « une certaine emphase du discours » dans ce « film plus monumental qu'émouvant[36]. » Frédéric Strauss, des Cahiers du cinéma, met en avant les différentes interprétations qu'on peut donner au film et l'« acharnement à convaincre de l’impossible, à prouver que le rapprochement entre une machine pensée pour le box-office et une œuvre née de la pensée d'un cinéaste, résolument hors norme, pouvait s'opérer et devenir la matière d'un film. C'est-à-dire davantage même qu'une adaptation[37]. » La rédaction des Inrockuptibles estime qu'avec cette réinvention de La Jetée, Gilliam prouve que « le cinéma est une machine à réinventer le présent » et « a su tirer un parti extraordinaire de cette capacité de Willis à insuffler une mélancolie et une détresse existentielles dans tous ses films[38]. »

Du côté des critiques négatives, Jean-Michel Frodon, du Monde, déplore la complexité du film, l'« invraisemblable capharnaüm partout où la caméra porte son œil » et « cette surenchère de bidules déglingués, cette duplication infinie de tout et de n’importe quoi, filmées aux amphétamines[37]. » Claude Baignères, du Figaro, partage le même jugement à propos du traitement compliqué de l'histoire « tant les repères que Gilliam nous donne sont flous », écrivant « on cesse de s’intéresser à l’action. Heureusement, on peut toujours se raccrocher au décor[37]. » En Belgique, Fabienne Bradfer, du Soir, écrit que les décors sont « imposants, inventifs et raffinés » mais que « Gilliam semble y être piégé, ne trouvant plus assez d'air pour l'expression émotionnelle de son récit » et que l'histoire « est fascinante mais manque d'espace[39]. »

En 2008, le magazine Empire le classe à la 465^e place dans sa liste des 500 meilleurs films de tous les temps[40]. Il figure dans le Top 250 du classement des films de l'Internet Movie Database, basé sur les votes du public, avec une note moyenne de ^8,1⁄₁₀[41].

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

• [Christie et Gilliam 1999] (en) Ian Christie et Terry Gilliam, Gilliam on Gilliam, Londres, Faber & Faber, 1999, 294 p. (ISBN 0-571-20280-2, OCLC 41579057)
• (en) Terry Gilliam, David Sterritt et Lucille Rhodes, Terry Gilliam : Interviews, Jackson, University Press of Mississippi, coll. « Conversations with filmmakers series », 2004, 227 p. (ISBN 1-57806-624-7, OCLC 52757149)

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