Yoshio Aoyama
Yoshio Aoyama (1894, Yokosuka - 1996,Tokyo ) est un peintre japonais.
Son travail et ses œuvres sont en grande partie inconnues parce que tout au long de sa vie.
Aoyama a exposé d'une façon très irrégulière, préférant le calme de son atelier (qu'il considérait comme un microcosme).
En raison de sa longévité le travail d'Aoyama s'étend sur presque tout le XXe siècle. Aoyama a abordé tous les styles d'un siècle très productif et très confus comme l'a été le XXe siècle. Aoyama n'a jamais adhéré à un style en particulier, mais il a réussi à maintenir comme constante dans son travail le «plaisir d'être» et le «plaisir de transmettre", la réalisation d'un style qui fait des œuvres d'Aoyama uniques et incomparables. On pourrait dire que dans sa peinture il y a une abstraction d'un certain idéal transmis par ses ancêtres; un idéal qui se manifeste dans la «joie de vivre» qui est également présente chez des peintres comme Pierre Bonnard, Raoul Dufy ou son maître Henri Matisse.
Le style d'Aoyama découvre une loi qui donne une puissance constante et une grande intensité. Une plage, un jardin, une rue… ces scènes sont adaptées à sa propre vision du monde plein de valeurs spirituelles provenant de leurs racines orientales. Il y a un double choix : d'une part les personnages, et d'autre part l'objectif spirituel.
D'une part en conservant ce qui est entre le ciel et la terre, comme Matisse.
D'autre part l'essence spirituelle qui apparaît dans le traitement de la matière picturale : peintures à l'huile par de généreuses et chaleureuses couches appliquées avec une pleine assurance.
Cette technique rend le spectateur conscient de que les scènes et les personnages appartiennent au monde matériel. Voulant enregistrer sa précarité, la joie de vivre ne se manifeste que par Sa Béatitude laquelle est le résultat d'une victoire sur les dangers quotidiens. Une sérénité qui semble évoquer les esprits japonais, c'est l'impression laissée dans la plupart des peintures d'Aoyama.
Des œuvres sans difficulté à contempler, mais qui ont besoin d'être découvertes moyennant un mysticisme basé en une lente conquête.
Étape Formation: 1911-1925
La première étape de formation de Yoshio Aoyama a eu lieu sous l'influence du maître japonais Oshita Tojiro en 1911, Aoyama devient orphelin de père et de mère, adopté par Tojiro comme fils et comme apprenti. Il a été admis dans l'école Nihon Suisaiga Kenkyusho.
Dès son jeune âge, il se consacre entièrement à la peinture, dans une quasi auto-apprentissage. Après il a fait ses études de Beaux Arts à l'Université de Tokyo.
Son premier professeur était Oshita Tojiro d'un style occidental, spécialiste en aquarelles (étant promoteur de la revue d'art Mizu-e). Ce stage à l'atelier de Tojiro a été consacrée à la copie des études classiques et des nus et des paysages. Il a reçu une solide formation en art occidental et en dessins, faits avec une ligne ferme et sûr.
Ses premières œuvres montrent une traits d'huile épais, typique de sa formation en tant qu'artiste, qui définissent les contours, et une gamme de couleurs sombres comme le marron, verts, bruns, ocres… qui donnent une mélancolie froide à la première étape d'Aoyama.
À d'autres moments dans sa première phase les couleurs font les limites des figures, créant des formes très marquées et délimitées, avec un manque de mélange des couleurs. Une technique qui est liée à la peinture traditionnelle japonaise Ukiyo-e, littéralement ''peinture flottante'', où les fonds sont complètement plats et les figures semblent flotter sur scène. Il y a aussi une nette influence des paravents style kano et les paravents de la période Namban (XVIe – XVIIe siècles). Dans ce type de paravents japonais apparaissent des fonds avec des nuages d'or qui remplissent les coulisses d'un air mystique.
La première étape de Yoshio Aoyama est remplie d'un sentiment de mélancolie où la solitude et l'isolement sont fusionnés en un halo mystérieux, la création d'une peinture hostile pour au spectateur. Un spectateur qui ne peut pas pénétrer dans ce monde mystérieux qui n'a pas accès, de sorte que vous ne pouvez que comprendre la projection de l'image externe.
Premier séjours en Europe: Paris et Nice. 1925-1935.
Yoshio Aoyama vint en Europe pour compléter leur formation. La passion pour l'Europe a été hérité de son père, issu d'une famille de samouraïs qui devint secrétaire du ministère de la marine japonaise. C'est son père qui lui a insufflé l'amour du voyage et la visite des pays étrangers. La première ville européenne où il s'est installé fut Paris, recommandée par l'un des premiers collectionneurs, le Japonais Fukushima. D'ailleurs, Paris était la capitale du monde de l'art, où il avait le siège une communauté internationale appelée École de Paris créée en 1910 par certains artistes comme Raoul Dufy, Picasso, Modigliani, Marc Chagall, le grand ambassadeur de l'art oriental Tsuguharu Fujita et le disciple de Renoir, que Aoyama a rencontré en cette période, Ryuzaburo Umehara.
L'École de Paris, située dans le quartier bohème de Montmartre, pourrait être considérée comme un véritable tour de Babel artistique, où les styles mélangés aussi divers que le cubisme, le futurisme, le primitivisme, etc mais avec des caractéristiques communes comme la fascination pour l'exotisme, coloré… Ainsi Aoyama est entré en contact étroit avec l'avant-garde européenne.
Après son séjour à Paris, il décide de déménager à cause de problèmes de santé à un endroit plus chaud, la capitale de la Riviera française, Nice. Son médecin lui avait diagnostiqué un principe tuberculose et son conseil est de partir à une ville au sud du pays. À Nice, Aoyama a poursuivi sa peinture, et c'était à une de ses expositions qu'il a rencontré Matisse. Matisse fasciné par sa couleur, qualifiant Aoyama de merveilleux coloriste. Grâce au marchand de Matisse, Yoshio Aoyama devient disciple du grand maître français. À partir de 1926, ses leçons avec Matisse font un grand changement de la technique utilisée. Il a commencé à créer un nouveau style plein d'originalité, de recréer un monde fascinant et impressionnant. Maintenant, ses figures vont acquérir le volume et la profondeur des compositions. Il existe l'impression d'un flux éternel, les figures appartiennent à ses œuvres, il y a un Être supérieur qui dirige tout. Il leur donne un sentiment de lyrisme, la poésie inondée d'un certain mystère qui est encore incompréhensible pour le spectateur. Ce changement dans la peinture Aoyama se fait progressivement, dans les préceptes du fauvisme, laissant derrière eux leur tradition japonaise. Maintenant, les couleurs rose et bleu sont une constante dans son travail. Cette étape est encore une étape de formation d'un style personnel.
Bibliographie
- Dictionnaire Bénézit, Dictionnaire critique et documentaire des peintres,sculpteurs, dessinateurs et graveurs de tous les temps et de tous les pays, vol. 1, éditions Gründ, , 13440 p. (ISBN 2700030117), p. 388
- (es) Luis Pérez Nieto, Yoshio Aoyama. Un pintor de inspiración europea.,
- (en) Roberts, Laurence, P., A dictionary of japanese artists: paintings, Scultures, Ceramics, Prints and Lacquers., Weatherhill New York,
Notes et références
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