Ikebana

Ikebana.

Exposition d'ikebanas dans le métro de Kyoto.

Au contraire de la forme décorative des arrangements floraux dans les pays occidentaux, l’arrangement floral japonais crée une harmonie de construction linéaire, de rythme et de couleurs. Alors que les Occidentaux tentent d'accentuer la quantité et les couleurs des fleurs, portant leur attention essentiellement sur la beauté de la fleur, les Japonais accentuent l'aspect linéaire de l’arrangement. Ils ont développé un art qui valorise aussi bien le vase, les tiges, les feuilles et les branches que la fleur elle-même. La structure complète de l'arrangement floral japonais est axée sur trois points principaux symbolisant le ciel, la terre et l’humanité à travers les trois piliers, asymétrie, espace et profondeur.

En Occident, des fresques égyptiennes, des vases grecs et des mosaïques sumériennes figurent des arrangements floraux pouvant indiquer que l’histoire de la composition florale remonterait à plus de 3 000 ans. En Asie de l'Est, durant la période des « Six Dynasties » (III^e – VI^e siècle), l’art floral serait apparu en Chine comme un élément de rites religieux. Il s'est ensuite développé sous la dynastie Tang (618-907), atteignant son âge d'or sous la dynastie Song (960-1279)[1]. Il est introduit au Japon au VIII^e siècle, par des moines bouddhistes. Dans les temples bouddhiques, les bonzes élaboraient de « vastes agencements de branches et de fleurs figurant certains paysages[2] », suivant les règles d'un art religieux appelé rikka ou tatebana[l 1]^,[1]^,[3].

Le rikka reflète la splendeur de la nature et l’expose. Les branches de pin, par exemple, symbolisent les pierres et les rochers, et le chrysanthème blanc symbolise une rivière ou un petit ruisseau. De nos jours, il est perçu comme une forme antique d’arrangement floral, et est rarement pratiqué.

Le terme « ikebana » est forgé au début du XVI^e siècle, lorsqu'il est devenu une pratique artistique codifiée et répandue parmi la noblesse, avec ses spécialistes et ses diverses écoles[3]^,[4].

Le changement le plus significatif dans l'histoire de l’ikebana advient au XV^e siècle, lorsque le shōgun Ashikaga Yoshimasa (1436-1490) dirigeait le Japon. Yoshimasa fit bâtir de larges constructions et de petites maisons pour exprimer son amour de la simplicité. Celles-ci contenaient un tokonoma (alcôve), où les gens pouvaient placer des objets d’art ou des arrangements floraux. Ce fut à cette période que les règles de l’ikebana furent simplifiées afin que toutes les classes sociales puissent jouir de cet art.

D’autres développements majeurs eurent lieu à la fin du XVI^e siècle. Un style plus simple d'arrangement floral appelé nageire[l 2] vit le jour et fut intégré dans la cérémonie du thé. Dans ce style, les fleurs sont arrangées dans un vase aussi naturellement que possible et quels que soient les matériaux utilisés. Du fait de cette association avec la cérémonie du thé, ce style est aussi appelé chabana[l 3].

Dans les années 1890, peu après la constitution Meiji, qui conduisit à la modernisation et à l’occidentalisation du Japon, fut développé un nouveau style d’ikebana appelé moribana[l 4]. Ce style apparaît, d'une part, du fait de l’introduction de fleurs occidentales et, d’autre part, du fait de l'occidentalisation du mode de vie japonais.

Le style moribana, qui crée une nouvelle forme de liberté dans l'arrangement floral, est utilisé pour les jardins. C'est un style que l'on peut apprécier quel que soit son emplacement et qui peut être adapté à la fois aux situations officielles (cérémonies) qu’aux situations non formelles.

En France, la pratique et l'enseignement de l'ikebana furent introduits par Kikou Yamata, écrivain franco-japonaise qui en fit les premières démonstrations à Paris en 1930, au Salon d'automne.

Au même titre que la cérémonie du thé et la calligraphie, l’ikebana était un des arts que les femmes étudiaient traditionnellement à l’école en vue de se marier. Aujourd'hui, les arrangements floraux sont considérés comme l'un des trois arts traditionnels japonais (avec le kōdō et la cérémonie du thé). L'ikebana est pratiqué en de nombreuses occasions, comme les fêtes et les cérémonies, et son enseignement n'a cessé de se répandre chez nombre de nos contemporains, intéressés par la tradition, l'art et la culture du Japon.

Il existe de très nombreuses écoles d'ikebana au Japon qui représentent autant de courants et de styles différents. Mary Averill, dans un livre intitulé Japanese flower arrangement, Ikebana applied to western needs, (1913) donne un aperçu des nombreuses écoles d'ikebana[5]. Une école est normalement dirigée par un iemoto(家元), souvent transmis au sein d'une famille d'une génération à l'autre.

En France, les écoles les plus répandues sont :

• L'école Ikenobō remonte au 8e siècle (période Heian) et est considérée comme la plus ancienne école. Cette école marque ses débuts à partir de la construction du Rokkaku-dō à Kyoto, le deuxième plus ancien temple bouddhiste du Japon, construit en 587 par le prince Shōtoku, qui avait campé près d'un étang dans l'actuel centre de Kyoto, et l'avait fait bâtir pour enchâsser une statue de la déesse Kannon. Au cours du XIIIe siècle, Ono-no-Imoko, un émissaire officiel de l'État, rapporta de Chine la pratique consistant à placer des fleurs bouddhiques sur un autel. Il est devenu prêtre du temple et a passé le reste de ses jours à s'exercer à la décoration florale. Les prêtres originels du temple vivaient au bord de l'étang, dont le mot japonais est " Ike " (" 池 "), et le mot " Bō " (" 坊 "), signifiant prêtre, relié par la particule possessive " no " (" の "), donne le mot " Ikenobō " (" 池坊 ", " prêtre du lac "). Le nom "Ikenobō", accordé par l'empereur, s'est attaché aux prêtres qui y étaient spécialisés dans l'aménagement des autels. L'école Ikenobō est la seule école qui n'a pas la terminaison -ryū dans son nom, car elle est considérée comme l'école originelle. Les premiers styles classiques systématisés, dont le rikka, ont commencé au milieu du XVe siècle. Les premiers étudiants et enseignants étaient des prêtres bouddhistes Ikenobō et des membres de la communauté bouddhiste. Au fil du temps, d'autres écoles sont apparues, les styles ont changé, et l'ikebana est devenu une coutume dans l'ensemble de la société japonaise[6].

• L'école Sōgetsu-ryū (草月流), fondée en 1927 par Teshigahara Sofu, qui repose sur l'idée qu'il peut être créé n'importe quand, n'importe où, par n'importe qui dans n'importe quelle partie du monde et avec n'importe quel matériau. Le principe de base Sogetsu est : "l'Ikebana reflète la personne qui l'a composé".[7]
• Ohara-ryū (小原流), fondée en 1912[8] par Ohara Unshin, qui a joué un grand rôle dans le développement du style moribana et cheche à intégrer dans les compositions les fleurs éclatantes qui commencent alors à être introduites d'Occident au Japon.

À l'origine, l'arrangement floral de l'ikebana était très simple, composé à partir de quelques tiges de fleurs et de branches au feuillage persistante. Cette première forme d'ikebana était appelée kuge (供華). Les motifs et les styles ont évolué et, à la fin du XVe siècle, les arrangements étaient suffisamment courants pour être appréciés par les gens ordinaires et plus seulement par la famille impériale et ses serviteurs : en effet, les styles d'ikebana ont changé durant cette période, transformant la pratique en une forme d'art avec des instructions établies. Des livres ont été écrits sur cet art, notamment le "Sedensho", le plus ancien d'entre eux, couvrant les années 1443 à 1536. L'Ikebana devint une partie importante des festivals traditionnels et des expositions étaient organisées ponctuellement.

Les premiers styles se caractérisaient par une tige centrale haute et droite accompagnée de deux tiges plus courtes. Pendant la période Momoyama (1573-1603), un certain nombre de châteaux fastueux ont été construits et les nobles et les serviteurs royaux ont réalisé de grandes compositions florales de style rikka, considérées comme une décoration appropriée pour les châteaux.

De nos jours, chaque école (Sogetsu, Ohara, Senshin Ikenobo sont les principales en France) a ses styles propres et certains styles classiques se retrouvent dans plusieurs écoles, mais avec des noms différents.