Lee Krasner

Lena Krassner, connue en dehors de la famille comme Lenore Krasner, naît de parents immigrés d'origines juive ukrainienne, Chane et Joseph Krasner, originaires de Shpykiv, une communauté juive de l'actuelle Ukraine. Ses parents ont fui l'antisémitisme et la guerre russo-japonaise[1]. Sa mère Chane change son prénom en Anna, une fois arrivée en Amérique.

Lena est la quatrième des cinq enfants de la famille et la seule à être née aux États-Unis[3].

Dès son plus jeune âge, Lee Krasner souhaite poursuivre une carrière dans l'art. Elle s'inscrit à l'école secondaire Irving High School for Girls de Washington qui dispose d'un cursus en art. Elle intègre ensuite The Cooper Union, école d'art réservée aux femmes pour laquelle elle décroche une bourse d'études. Lee Krasner y obtient son diplôme d'enseignante en art. En 1932, elle poursuit son perfectionnement et rejoint la National Academy of Design.

De 1933 à 1940, elle travaille également dans l'atelier de Hans Hofmann. Elle rejoint le mouvement des American Abstract Artists.

Elle participe à The Federal Art Project (FAP) de 1935 à 1943[3] travaillant dans la division des peintures murales en tant qu'assistante de Max Spivak. Son travail consistait à agrandir les créations d'autres artistes pour des peintures murales publiques à grande échelle. Comme les peintures murales ont été créées pour être facilement comprises et appréciées par le grand public. Bien que heureuse d'être employée, elle était insatisfaite car elle n'aimait pas travailler avec des images figuratives créées par d'autres artistes.[4]^,[5]

Tout au long de la fin des années 1930 et au début des années 1940, elle a créé des croquis de gouache dans l'espoir de créer une peinture murale abstraite. Dès qu'une de ses propositions de peinture murale a été approuvée pour la station de radio WNYC, le programme a été axé sur la propagande de guerre. Krasner a continué à travailler pour les services de guerre en créant des collages pour l'effort de guerre qui ont été affichés dans les fenêtres de dix-neuf grands magasins à Brooklyn et Manhattan. Elle a été intensément impliquée avec l'Union des artistes pendant son emploi avec la WPA mais a été l'une des premières à démissionner lorsqu'elle a réalisé que les communistes prenaient le relais. Cependant, en faisant partie de cette organisation, elle a pu rencontrer plus d'artistes et élargir son réseau. Après avoir démissionné, elle a rejoint en 1940 les American Abstract Artists[6].

Elle rencontre les artistes Willem de Kooning, Arshile Gorky, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still et Bradley Walker Tomlin à travers cette organisation.

Krasner est identifiée comme une expressionniste abstraite en raison de ses œuvres abstraites, gestuelles et expressives dans la peinture, le collage, le dessin au fusain et parfois les mosaïques. Elle découpait souvent ses propres dessins et peintures pour créer des collages. Elle a également généralement révisé ou détruit complètement une série entière d'œuvres en raison de sa nature critique; en conséquence, son travail survivant est relativement limité. Son catalogue raisonné, publié en 1995 par Abrams, répertorie 599 pièces connues.[7]

Sa nature changeante se reflète tout au long de son travail, ce qui a conduit les critiques et les chercheurs à tirer des conclusions différentes sur elle et son œuvre. Tout au long de sa carrière, elle a refusé d'adopter un style singulier et reconnaissable et a plutôt adopté le changement en variant souvent l'humeur, le sujet, la texture, les matériaux et les compositions de son travail.

Malgré ces variations intenses, ses œuvres peuvent généralement être reconnues par leur style gestuel, leur texture et leur rythme. Elle était souvent réticente à discuter de l'iconographie de son travail et a plutôt souligné l'importance de sa biographie puisqu'elle a affirmé que son art était formé par sa personnalité individuelle et son état émotionnel[4].

Voici les différentes phases[8] :

• années 1940: "grey slab paintings." Elle créait ses peintures en travaillant sur une toile pendant des mois, en repeignant, en grattant ou en frottant la peinture, et en ajoutant plus de pigment jusqu'à ce que la toile soit presque monochrome à cause de l'accumulation de peinture. Elle finissait par détruire ces œuvres, c'est la raison pour laquelle il n'y a qu'une seule peinture qui existe de cette période.

• Little Images: 1946–1949 : Elle a créé un total de 40 œuvres dans cette période. Les images en mosaïque ont été créées grâce à l'accumulation épaisse de peinture tandis que ses peintures palmées ont été réalisées grâce à une technique de goutte à goutte dans laquelle le pinceau était toujours proche de la surface de la toile. Quand elle a terminé la série, Krasner a de nouveau traversé une phase critique envers son travail. Elle a finalement détruit la plupart des travaux qu'elle a faits au début des années 1950.
• Collages : 1951–1955

De 1951 à 1953, la plupart de ses œuvres ont été réalisées à partir de dessins déchirés réalisés à l'encre noire ou lavés de manière figurative. En déchirant le papier au lieu de le couper, les bords des figures sont beaucoup plus doux par rapport aux formes géométriques et aux bords durs de ses travaux précédents. De 1953 à 1954, elle a créé des peintures de collage de plus petite taille qui étaient composées de fragments d'œuvres. Certaines des œuvres jetées qu'elle a utilisées étaient des toiles réalisées par Pollock. De nombreux chercheurs ont exprimé différentes interprétations des raisons pour lesquelles elle a utilisé les toiles rejetées par son partenaire. Certains affirment qu'elle a simultanément démontré son admiration pour son art tout en le recontextualisant en manipulant ses images dans une forme de collage. D'autres croient qu'elle créait un sentiment d'intimité entre eux, ce qui manquait dans leur relation réelle à cette époque, en combinant leurs œuvres ensemble. En 1955, elle réalise des peintures de collage à plus grande échelle et fait varier la matière qu'elle utilise pour le support, en utilisant de la masonite, du bois ou de la toile. Ces œuvres ont été exposées pour la première fois par Eleanor Ward à la Stable Gallery en 1955 à New York, mais elles ont reçu peu d'éloges du public, à l'exception d'une bonne critique de Clement Greenberg.

• Earth Green Series: 1956–1959[9]

Au cours de l'été 1956, Krasner a commencé sa série Earth Green. Bien qu'elle ait commencé à faire ce travail avant la mort de Pollock, il est considéré comme reflétant ses sentiments de colère, de culpabilité, de douleur et de perte qu'elle a ressentis au sujet de leur relation avant et après sa mort. L'émotion intense qu'elle a ressentie pendant cette période a poussé son art à se développer selon des lignes plus libérées de son expression personnelle et a repoussé les limites des concepts conventionnels et développés de l'art. À travers ces peintures à grande échelle, Krasner dépeint des figures hybrides constituées de formes organiques végétales et de parties anatomiques, qui font souvent allusion à des parties du corps masculin et féminin. Ces formes dominent la toile, ce qui la rend encombrée et remplie de formes éclatantes et bombées.

En 1957, Krasner a continué à créer des formes abstraites figuratives dans son travail, mais elles suggèrent plus d'éléments floraux qu'anatomiques. Elle a utilisé des couleurs plus vives qui étaient plus vives et contrastaient généralement avec d'autres couleurs dans la composition. Elle diluait également la peinture ou utilisait un pinceau sec pour rendre les couleurs plus transparentes. En 1958, Krasner a été chargée de créer deux peintures murales abstraites pour un immeuble de bureaux à Broadway. Elle a créé deux maquettes de collage qui représentaient des motifs floraux pour deux entrées du bâtiment. Ces peintures murales ont ensuite été détruites dans un incendie[10].

• Umber Series: 1959–1961[11]

Les tableaux de la série Umber de Krasner ont été créés à une époque où l'artiste souffrait d'insomnie. Comme elle travaillait la nuit, elle a dû peindre avec de la lumière artificielle plutôt qu'avec la lumière du jour, faisant passer sa palette de teintes vives et vibrantes à des couleurs monochromes ternes. Elle était également confrontée à la mort de Pollock et à la mort récente de sa mère, ce qui l'a amenée à utiliser un style agressif lors de la création de ces images. Ces Action painting de taille murale contrastent fortement avec la lumière et le noir, car le blanc, le gris, le noir et le brun sont les couleurs prédominantes utilisées. La preuve de son pinceau animé peut être vue à travers les gouttes et les éclaboussures de peinture sur la toile. Il n'y a pas de point central sur lequel le spectateur peut se concentrer dans ces œuvres, ce qui rend la composition hautement dynamique et rythmique. Pour peindre à une si grande échelle, Krasner clouait la toile contre un mur. Ces images n'impliquent plus de formes organiques mais sont plutôt interprétées comme des paysages violents et turbulents.

• Primary Series: Années 1960[1]

En 1962, elle commence à utiliser des couleurs vives et fait allusion à des formes florales et végétales. Ces œuvres sont de composition similaire à ses images monochromes en raison de leur grande taille et de leur nature rythmique sans point focal central. Leurs palettes contrastent souvent entre elles et font allusion à des paysages ou des plantes tropicales. Elle a continué à travailler dans ce style jusqu'à ce qu'elle souffre d'un anévrisme, tombe et se brise le poignet droit en 1963. Comme elle voulait toujours travailler, elle commence à peindre avec sa main gauche. Pour surmonter le travail avec sa main non dominante, elle appliquait souvent directement la peinture d'un tube sur la toile plutôt que d'utiliser un pinceau, provoquant ainsi de grandes taches de toile blanche sur les surfaces des images. Le geste et la physicalité de ces œuvres sont plus sobres. Après avoir récupéré de son bras cassé, Krasner a commencé à travailler sur une peinture "all over" brillante et décorative qui est moins agressive que ses peintures Earth Green et Umber Series. Souvent, ces images rappellent la calligraphie ou l'ornementation florale qui n'est pas manifestement liée à l'état émotionnel connu de Krasner. Les formes florales ou calligraphiques dominent la toile, reliant le pinceau variable en un seul motif.

Dans la seconde moitié des années 1960, les critiques ont commencé à réévaluer le rôle de Krasner à la New York School en tant que peintre et critique qui a grandement influencé Pollock et Greenberg. Avant cela, son statut d'artiste était généralement négligé par les critiques et les universitaires en raison de sa relation avec Pollock. Puisqu'il a servi en tant que grande figure dans le mouvement expressionniste abstrait, il est encore souvent difficile pour les chercheurs de discuter de son travail sans mentionner Pollock. Cette réévaluation se reflète dans sa première exposition rétrospective de ses peintures qui s'est tenue à Londres à la Whitechapel Gallery en 1965. Cette exposition a été mieux accueillie par la critique par rapport à ses précédentes expositions à New York. En 1969, Krasner se concentre principalement sur la création d'œuvres sur papier à la gouache. Ces œuvres ont été nommées soit Terre, Eau, Graine ou Hiéroglyphes et ressemblaient souvent à un test de Rorschach. Certains chercheurs affirment que ces images étaient une critique de la théorie de Greenberg sur l'importance de la nature bidimensionnelle de la toile[3].

• Fin de carrière[3]

À partir de 1970, Krasner a commencé à faire de grandes peintures horizontales composées de lignes aux bords durs et d'une palette de quelques couleurs vives qui se contrastaient. Elle a peint dans ce style jusqu'en 1973. Trois ans plus tard, elle a commencé à travailler sur sa deuxième série d'images de collage. Elle a commencé à y travailler après avoir nettoyé son atelier et a découvert des dessins au fusain, principalement des études de figures qu'elle a réalisées de 1937 à 1940. Après en avoir sauvé quelques-uns, Krasner a décidé d'utiliser le reste dans une nouvelle série de collages. Dans ce travail, les formes noires et grises des études de figures sont juxtaposées à la toile vierge ou à l'ajout de peinture aux couleurs vives. Les formes tranchantes des dessins découpés sont reconstruites en formes curvilignes qui rappellent les motifs floraux. La texture est induite par le contraste du papier lisse et de la toile rugueuse. Étant donné que les études de figures sont découpées et réorganisées sans tenir compte de leur intention ou de leur message d'origine, les différences entre les anciens dessins et les nouvelles structures sont fortement exagérées. Tous les titres des collages de cette série sont différents temps verbaux interprétés comme une critique de l'insistance de Greenberg et Michael Fried sur l'actualité de l'art moderne. Cette série a été très bien accueillie par un large public lors de son exposition en 1977 à la Pace Gallery. Il est également considéré comme une déclaration sur la façon dont les artistes doivent réexaminer et retravailler leur style afin de rester pertinents à mesure qu'ils vieillissent.

En 1941, elle fait la connaissance de Jackson Pollock et se marie avec lui en 1945. C'est Lee Krasner qui propose à Pollock d'en finir avec les titres conventionnels pour ses peintures mais de les numéroter. Car les nombres sont neutres et parce que les gens regardent sa peinture pour ce qu'elle est :

« … They make people look at a picture for what it is — pure painting[12]. »

Bien que beaucoup de gens croient que Krasner a cessé de travailler dans les années 1940 au profit de la carrière de Pollock, elle n'a jamais cessé de créer de l'art. Tandis que leur relation se développait, elle a déplacé son attention de la sienne vers l'art de Pollock afin de l'aider à gagner plus de reconnaissance car elle pensait qu'il avait "beaucoup plus à donner avec son art qu'avec le sien". Tout au long de sa carrière, Krasner a traversé des périodes de doutes où elle expérimenterait de nouveaux styles et en détruisant parfois son travail. En raison de cette autocritique, il y a des périodes où peu ou pas de son travail existe, en particulier à la fin des années 1940 et au début des années 1950[7].

Krasner et Pollock ont eu une influence immense sur les styles et les carrières artistiques de l'autre. Krasner formee par Hans Hofmann et Pollock par Thomas Hart Benton, chacun adopte des approches différentes. Krasner a appris de Hofmann l'importance de l'abstraction de la nature et en soulignant la nature plate de la toile tandis que la formation de Pollock a souligné l'importance de la conception complexe du dessin automatique. Les connaissances approfondies de Krasner en art moderne ont aidé Pollock depuis qu'elle l'a mis au courant de ce que l'art contemporain devrait être. Il a donc pu réaliser des œuvres plus organisées et cosmopolites. De plus, Krasner était chargée de présenter Pollock à de nombreux artistes, collectionneurs et critiques qui appréciaient l'art abstrait tels que Willem de Kooning, Peggy Guggenheim et Clement Greenberg. Pollock a aidé Krasner à devenir moins retenue en faisant son travail. Il l'a inspirée à arrêter de peindre à partir de modèles humains et de natures mortes afin de libérer ses émotions intérieures et de devenir plus spontanée et gestuelle à travers son travail[13].

Krasner a souffert de la réception publique de son identité, à la fois en tant que femme et en tant qu'épouse de Pollock. Lorsqu'ils ont tous deux exposé dans une exposition intitulée "Artistes: homme et femme" en 1949, un critique d'ARTnews a déclaré: "Il y a une tendance chez certaines de ces femmes à se "ranger aux les styles de leur mari. Lee Krasner (M^me Jackson Pollock) prend la peinture et les émaux de son mari et transforme ses lignes effilées et balayées en petits carrés et triangles soignés." Même après la montée du féminisme dans les années 1960 et 1970, la carrière artistique de Krasner a toujours été mise en relation avec Pollock depuis les remarques faites sur son travail commentait souvent comment elle était devenue une artiste à succès en quittant l'ombre de Pollock. Dans des articles sur son travail, Pollock est constamment mentionné. Krasner est encore parfois appelée "Action Widow", un terme inventé en 1972 par le critique d'art B. H. Friedman qui accusait les partenaires féminins survivants d'artistes expressionnistes abstraits de dépendance artistique vis-à-vis de leurs partenaires masculins. Typiquement dans les années 1940 et 1950, Krasner ne signait pas du tout ses œuvres, ou avec les initiales neutres "LK", ou en mélangeant sa signature dans la peinture afin de ne pas souligner son statut de femme et d'épouse d'un autre peintre.

Tombe de Jackson Pollock et Lee Krasner au cimetière de Green River à Springs, New York.

À la suite du décès de son mari dans un accident de voiture en 1956, elle s'installe dans son grand atelier new yorkais et entre dans une nouvelle période productive composée de tableaux de très grandes dimensions, de motifs floraux et baroques. L'artiste peint tous les jours pendant presque quarante ans, jusqu'à sa mort en 1984[14].