12 principes de base de l'animation

Principe de base d'animation : Squash and Stretch.

Les muscles du corps d'un cheval sont déformés également durant un mouvement.

Cette règle (Squash and Stretch en anglais) dit qu'un élément (personnage, objet…) est plus réaliste et plus vivant s'il est déformé au contact d'un autre élément plus solide. Par exemple, une balle qui tombe à terre et rebondit fera plus "vraie" si elle s'aplatit en s'écrasant au sol, et qu'elle s'allonge élastiquement en remontant.

Utilisée à outrance, cette déformation peut produire un effet comique, que ce soit pour un objet ou une expression faciale.

Il est important en animation réaliste que malgré sa déformation, l'objet conserve approximativement le même volume.

Préparation au lancer d'une balle de baseball

L'anticipation consiste à préparer le spectateur à l'action. La préparation à une action est nécessaire à son réalisme : avant qu'un personnage saute il faut que le personnage plie ses genoux, avant de lancer un objet il faut qu'il prenne de l'élan avec son bras en arrière…

Ce principe (staging en anglais) se retrouve également au théâtre et au cinéma. Il consiste à attirer l'attention du spectateur sur un élément précis. Des costumes, le geste d'un personnage, le décor, des effets sonores, des effets de lumière, un angle de caméra particulier etc. peuvent être mis à profit.

Il existe deux approches différentes de la création d'une action. "Toute l'action d'un coup" (straight ahead action en anglais) signifie dessiner un mouvement image par image du début jusqu'à la fin, tandis que "partie par partie" (pose to pose en anglais) implique d'en dessiner seulement quelques-unes (les images-clés du mouvement) puis de boucher les intervalles ensuite, ce qui revient à décomposer le mouvement général en sous-parties.

• Dessiner "toute l'action d'un coup" permet une illusion de mouvement plus fluide et plus dynamique, et est plutôt utilisée pour les actions des séquences réalistes. Cependant avec cette méthode, il est difficile de garder les proportions du personnage au fil des dessins, et de dessiner des postures vraiment exactes et convaincantes…

• Dessiner "partie par partie" le mouvement général est plus efficace pour les scènes dramatiques ou émotionnelles.

Mais il est également possible de faire pour une même action un savant mélange des deux…

Plus qu'une variable d'expression et de style, ces deux approches ont été développées de par la nécessité de pouvoir quantifier le temps d'une scène d'animation avant qu'elle ne soit produite, à des fins industrielles (dessins animés formatés pour le temps de télévision, etc). Il arrive que certaines productions plus expérimentales et artistiques laissent libre cours à leurs animateurs en les laissant faire "tout d'un coup", afin qu'une certaine spontanéité en ressorte, chose qui est généralement limitée par la planification des poses-clés.

Ces deux techniques étroitement liées aident à rendre le mouvement plus réaliste, et donnent l'impression que les personnages suivent les lois de la physique. "Continuité du mouvement initial" (Follow through en anglais) signifie que les différentes parties du corps continuent d'avancer après que le personnage s'est arrêté. "Chevauchement de deux mouvements consécutifs" (Overlapping action en anglais) est, quand le personnage change brutalement de direction, le fait que son corps continue d'avancer dans sa direction précédente.

Ces principes d'animations se réfèrent aux lois d'inertie et d'énergie cinétique.

Termes anglais : "slow in" et "slow out" Le mouvement d'un corps humain (et de nombreux autres objets) nécessite des moments d'accélération et de ralentissement. Ainsi, une animation a l'air plus réaliste si les quelques images du début et de la fin du mouvement sont plus nombreuses, et que celles du milieu le sont moins. Utilisé pour un personnage passant d'un état extrême à un autre (comme passer de l'état "assis" à l'état "debout"), il s'emploie également souvent pour les objets (comme pour la balle rebondissante vue plus haut, qui contient plus d'images avant et après le rebond).

Trajectoire en parabole d'une balle projetée

Tous les objets lancés en l'air et les personnages qui sautent ont une trajectoire arquée (Arcs en anglais), et reproduire cette trajectoire arquée produit des mouvements d'un grand réalisme. Il peut s'agir d'une parabole (éléments montants et redescendant tout en avançant) ou d'arcs de cercles (pour les éléments en rotation).

Attention : pour reproduire un mouvement très mécanique (ex : machine, robot…) il faut utiliser des lignes droites.

Ici, non seulement les pattes du cheval sont animées, mais également sa crinière et sa queue, le rendant moins figé et "robotique".

Faire bouger d'autres parties du personnage durant un mouvement principal donne à l'action plus de vie. Une personne qui marche peut également balancer ses bras, parler, siffler, ou exprimer une expression particulière avec son visage…

Il n'est pas à négliger que ces petits détails secondaires en mouvement font d'autant plus ressortir le personnage en action.

La cohérence (Timing en anglais) se réfère à deux concepts différents : la cohérence physique et la cohérence théâtrale.

• D'un point de vue uniquement physique, l'objet doit respecter les lois de la physique, par exemple, la masse d'un objet définit sa façon de réagir à un facteur externe (comme une poussée).
• La cohérence théâtrale est de nature moins technique, et sa maîtrise s'acquiert avec l'expérience. Elle peut être à but purement comique, être employée pour communiquer des émotions profondes, ou même montrer des aspects de la personnalité d'un personnage…

Les personnages des arts visuels modernes japonais sont caractérisés par des corps plus réalistes, mais des expressions du visages exagérées, en particulier la taille des yeux.

L'exagération de certains détails est particulièrement utile en animation. Le niveau d'exagération dépend de la volonté de réalisme ou d'un style de dessin (caricature, facture d'un artiste…). La définition courante de ce procédé, employée par Disney, est de rester assez proche de la réalité, mais de la représenter sous une forme plus poussée, plus extrême.

L'exagération peut être uniquement dans la représentation, mais également surnaturelle en altérant les phénomènes physiques (rebonds incroyablement hauts, enfant portant un rocher…).

Il est important d'employer un nombre restreint d'exagérations, ainsi que de les lier entre elles, car leur surnombre et leur incohérence provoquerait de la confusion et l'incompréhension du spectateur.

Conserver les volumes (Solid Drawing en anglais), l'aspect 3D et ses détails, à travers des mouvements.

Dans un dessin animé, un personnage charismatique n'est pas forcément sympathique, les méchants et les monstres peuvent également en avoir. Un point important est que le spectateur doit sentir le personnage proche et intéressant, de par son apparence, sa gestuelle particulière, ou sa personnalité sortant de l'ordinaire…